День Танцев

День Танцев — игровой тематический день. Реализован отрядом «Малышарики».
Впервые проведен: Весенний сбор 2022
Ответственный за день — Дарья Кириллюк

Черлидинг

Тренируем гибкость

На гастролях в Испании

На гастролях в Индии

В гостях у Маори

Танец живота

Бродвейский мюзикл

Танец кантри

Танцоры ждут своего выхода

Аннотация

День организован был для участников от 11 до 14 лет. Рассчитан на приблизительно на четыре отряда по десять человек. День является игровым.

Необходимые ресурсы

• 13 организаторов
• 8 инструкторов
• 3 больших помещения (например холл)
• 8 комнат
• 5 проекторов
• Приставка
• 14 колонок
• Визуальные материалы (картинки, видео)
• Народные костюмы (Россия, Ирландия, Испания, Грузия, Новая Зиландия, Индия, Аргентина)
• Повязки на бедра с монетами
• Кепки (много)
• Рубашки клетчатые 10шт
• Три женский платья в горошек
• Яркие женские платья 8 шт
• Фатиновые юбки 10 шт
• Шляпы ковбойские 10 шт
• Жилетки ковбойские 10 шт
• Цветные яркие парики 5 шт
• Туфли на каблуках 13 шт
• Белые рубашки 13 шт
• Черные шорты или брюк 13 шт
• Искусственные цветы
• Разные смешные яркие костюмы
• Русские народные предметы (ложки, самовар, сушки)
• Флаги (Россия, Ирландия, Испания, Грузия, Новая Зиландия, Индия, Аргентина)
• Пиджаки
• Сервиз
• Пластиковая посуда
• 7 вееров
• Тельняшка
• Пачка, белые колготки, балетки
• Гимнастические принадлежности
• Разная посуда
• Пипидастры
• Много бумаги и газеты
• Канцелярия
• Меловая доска
• Мел
• Праздничные украшения (ленточки, хлопушки, колпачки)

Цель дня

• Поднять проблему восприятия танцев не как искусства, а как развлечения.
• Развить навыки координации, пластики.

Атмосфера

Инструктора представители танцевальных команд или танцевальные преподаватели.
Участники обычные жители города Дискотецк, которых заметили продюсеры на фестивале танцев и решили взять в свою школу танцев

Расписание

10.00 Линейка + Показательный танец
10.10 Дискотека
10.40 Объявление
11.00 “Кастинг”
12.10 Мастер-классы
13.30 Обед
14.00 Заставка
14.30 Экзамены
15.15 Учеба
16.25 Гастроли
17.35 Нью-Йорк
18.15 Запись
18.45 Подготовка Бродвея
19.00 Ужин
19.30 Подготовка Бродвея
20.40 Показ
21.20 Бродвей
21.30 Отрядная свечка
22.15 Общая свечка
22.45 Время Личной Гигиены
23.00 Отбой

Описание этапов

Фестиваль танцев

Кратное описание этапа: Целью данного этапа является познакомить и ввести участников в атмосферу дня, раскрыть базовые навыки координации и пластики, а также данный этап являлся эмоциональной разрядкой для участников, взбодрить после сна. В этом этапе участники являются участники танцевального фестиваля, играя в различные игры связаные с танцами. Этап проходит в формате ран-викторины. Перед началом дискотеки на линейки был показательный танец. Начинается дискотека, на которой есть десять разных игр связанных с танцами.
Подготовить заранее 1. Три больших помещения (например холлы)
2. Две комнаты
3. Листы формата А2 8 шт
4. Стрелочки разных цветов 8 шт
5. Видео-нарезки с ускоренными песнями
6. Видео-нарезки Dance revolution
7. 14 колонок
8. Поектор
9. Приставка
10. 12 карточек с разными животными
11. Видео-нарезки с танцами из разных фильмов
12. Музка для этапа
13. Костюмы хип-хоперов
14. Веселые костюмы
15. Видео-нарезки с разными стилями танцев
16. Билеты с различными нестондартными ситуациями
17. Шляпа
18. Показательный танец хип-хоп
Текст заставки
Ведущий: Йоу йоу йоу, добро пожаловать на наш ежегодный фестиваль. Как я знаю, вы-заинтересованные в танцах люди, так что вам точно будет интересно посмотреть на открытие фестиваля…Танцевальным номером от лучшей команды в нашем городе - Бейби борги!

Показательный танец

Ведущий: Ох, как же они хороши, учитывая, что это единственная танцевальная команда в Дискотецке…
Танцор 1: Да уж, Дискотецк и без новых танцоров
Ведущий: Но ведь поэтому из года в год мы и проводим фестиваль Начинающие танцоры приезжают к нам, чтобы сыграть в различные игры, связанные с танцами и получить новой практики в танце Мы приглашаем вас посетить игры нашего фестиваля, не стесняйтесь и попробуйте столько игр, сколько сможете! А главное не забудьте, сегодня вечером будет моя сольная программа, обязательно возвращайтесь посмотреть

Правила игр

• Dance Dance revolution
• Just dance
• Лимбо
• Запомни за организатором – у организатора есть несколько заготовленных связок движений. Два раза показывает, задача ребенка повторить под музыку.
• Снежный шар
• Животное – Есть билетики, на которых написаны животные (лев, крокодил, слон, медведь, заяц, мышь, змея, обезьяна, лиса), музыка без текста «природная». Один ребенок вытягивает бумажку и под музыку изображает животное танцем (нельзя издавать звуки), остальные пытаются догадаться, что это за животное. По очереди.
• Скоростной танец – взять три очень популярных танца (танец маленьких утят, макарена, арам зам зам) и танцевать их на разных скоростях (0.5, 1.25, 1.5, 2, 2.5). Замедленно, нормально и ускорять, ускорять.
• Видео с музыкой – взять пять танцев, показать их без звука, потом отдельно включить звук. Задача соединить танец и музыку.
• Модники – есть таблички с различными стилями танцев. Показываем детям одну из табличек, их задача одеть одного (или двух) из группы по стилю танца. Когда одели, он танцует.
• Танцы на газете – раскладываем газеты, каждый ребенок встает на газету, танцует. Потом газеты сворачивают и сворачивают (территория для танца становится меньше). Задача удержаться, кто смог дольше всех, тот молодец.
• Музыкальные стулья
• Танец ситуация – надо придумать стандартные ситуации (типа «получил двойку»), ситуации написаны на билетиках. Группа вытягивает билет, придумывает сюжет. Но дальше включается музыка, которая может быть любая по характеру: грустная, веселая и так далее. Детям нужно подстроиться.
• Ложка во рту – кладем ложку в рот, на нее мячик. Под музыку повторяем движения за организатором, надо не уронить. Участвовать параллельно могут где-то четыре человека. Что нужно организатору– 4 ложки, 4 мячика для пинг-понга, источник музыки).

Начинается массовая дискотека с общей игрой - шляпа. Шляпа - ведущий надевает на одного из участников шляпу, этот человек начинает показывать движения, а остальные за ним повторяют.

Ран-викторина

Краткое описание этапа Целью данного этапа является познакомить с разными танцевальными школами в России, а также сформировать представление о разных стилях танцев. У участников есть индивидуальные маршрутные листы, по которым они посещают разные танцевальные школы и узнают о них базовую информацию.
Подготовить заранее:
1. Информация для станций
2. Костюмы: балены (пачка, белые колготки, балетки), бальное платье, русские народные костюмы 2 шт, спортивные костюмы, спортивные костюмы
3. Награды (медали, кубки)
4. Танцы связанные с интерактивами станций
5. Фото и видео материалы
6. Гимнастическое оборудование (булавы, обручи)
7. Пипидастры Описание станций

Академия Вагановой

Текст станции:
Файл:Академия-имени-Вагановой.pdf

Бальные танцы

Текст станции:
Файл:ВШТН.pdf

Танцевальная студия "Тодес"

Текст станции:
Файл:ТСТ.pdf

Ансамбль "Березка"

Текст станции:
Файл:АБ.pdf

Чирлидинг

Текст станции:
Файл:Ч (2).pdf

Танцевальные команды

Текст станции:
Файл:ТК.pdf

Мастер-классы

Кратное описание этапа:
Целю данного этапа является развить навыки координации, моторики, пластики, также ознакомить с историей танцев, разными направлениями и видами. Участникам говорят, что для того, чтобы их приняли для обучения, нужно больше практики и умений, поэтому их отправляют на мастер классы. Проходит 12 станций, из них 6 – станции с умениями, например пластика, а другие 6 – информационные. У каждого организатора есть билеты, на которых написана станция, которую он проводит, а так-же что это за станция (навык или информация). Каждому ребенку нужно собрать по четыре информационных билета и по четыре билета с навыками.
Подготовить заранее:
1. Карточки разных цветов (информационная и практическая)
2. Пенки
3. Колонки 8 шт
4. Фото и видео материал
Описание мастер-классов
Станции на развитие навыков необходимых для танцев:

• Чувство ритма – рассказываем детям почему чувство ритма важно в танцах, после делам различные упражнения. Можно включать музыку с разным ритмом и отбивать его хлопками или щелчками. После можно *будет выучить связку простых движений, которую будем танцевать под разную музыку, подстраиваясь под ритм.
• Растяжка и гибкость – рассказываем почему это важно в танцах, после делаем упражнения на растяжку (речь идет не только про шпагат).
• Координация движений – рассказываем, что это такое, почему важно. Делаем различные упражнения на координацию.
• Хореография – рассказываем, что это, почему важно. Делаем разные упражнения из хореографии. Было бы здорово, если бы было что-то вроде станка, но можно и без него что-то поделать.
• Выносливость – рассказываем почему это важно, после делаем разные упражнения. Можно делать различные ритмические связки на выносливость под музыку, это повеселее и интереснее, чем просто стоять в планке.
• Танцевальная импровизация – рассказываем, что это такое, почему важно уметь импровизировать. Пробуем импровизировать под музыку, сначала можно всем вместе, после по одному.

Информативные станции:

• История возникновения танцев – откуда появились танцы, с самых древних времен, как развивались дальше.
• Танцы в средневековье
• Придворные танцы
• История балета
• Танцы в современной поп-культуре.
• Уличные танцы

Текст станции:
Файл:МК.pdf

Подготовка к экзаменам

Кратное описание этапа
Целью денного этапа является внутриотрядная рефлексия пройденного на мастер-классах материала. Инструктора говорят своим детям, что сейчас будет экзамен, где им зададут несколько вопросов, а также попросят показать какие-либо свои умения.
Подготовить заранее:
1. Список вопросов для инструкторов

Экзамены

Краткое описание этапа:
Целью данного этапа является применить полученные на мастер-классах знания на практики, каким образом повторить ее, чтобы лучше усвоить материал. Четыре иностранные танцевальные школы, которые принимают экзамены, в каждой школе по три экзаменатора, сначала детям задают вопросы по информации рассказанной на мастер-классе, а после просят показать свои навыки.
Заранее подготовить:
1. Список вопросов
2. 4 больших помещения (например холл)
3. Медали и кубки
4. Пенки
5. Пиджаки
6. Список вопросов
7. Музыка для демонстрации практических навыков

Вопросы для экзамена:
1. Из чего произошли танцы?
Ответ: Танцы произошли из ритуальных движений древних шаманов
2. Какой смысл изначально носили танцы?
Ответ: Танец был способом общения. Самовыражения, просвещения, массового внушения
Какими были танцы в средневековье?
Ответ: Как правило танцы были простыми. Незамысловатыми, люди часто импровизировали. Обычно это были хороводы или массовые пляски.
3. Назовите танцы средневековья и кратко их опишите.
Ответ: От греческого дифирамба произошел такой танец, как кароль. Он представляет собой танец-песню, который в свое время пользовался очень большой популярностью и изначально исполнялся только в майский период, но вскоре стал неотъемлемой частью абсолютно любого праздника и торжества. Самым излюбленным он был в Англии и Франции.
Жига – хореографическая композиция с английскими корнями, зародившаяся в 16 столетии.
Павана –танец, представляющий собой своеобразное величавое и довольно медленное шествие. Именно с этой хореографической композиции начинался любой бал в 16-17 веке. Этот танец имеет итальянские корни и является «братом» бас-данса. Гальярда – одна из самых веселых плясок Средневековья, а именно 16-17 века. Это был один из любимейших танцев 17-го столетия в Европе.
Чакона – танец 16-18 века, пришедший в Испанию из Вест-Индии. Начиная с 16 и по 18 столетия, он претерпел некоторое изменение – изначально его танцевали в быстром ритме, а потом чакона трансформировалась в величавый и медленный танец.
Бас-данс – это скользящий церемониальный танец, очень похожий на полонез. В структуре этой хореографической композиции отсутствовали прыжки, и он больше напоминал некое «прохаживание», нежели танец.
4. Каким танцем как правило открывались балы?
Ответ: Полонез
5. Назовите придворные танцы и охарактеризуйте их
Ответ: КОНТРДАНС – старинный народный танец английского происхождения, пользовавшийся огромной популярностью в XVIII–начале XIX веков. Первоначально, будучи сельским танцем, имел веселый, жизнерадостный и непосредственный характер; в дальнейшем, проникнув в салоны и бальные залы, приобретает некоторую чинность и сдержанность.
МЕНУЭТ – это старинный французский, крестьянский танец. В XVII веке король Людовик XIV открыл моду на этот танец. Существовали менуэт Короля, менуэт Королевы и менуэт двора. Танцевальные движения были так замысловаты, что проходили не дни, а годы, прежде чем аристократы решались танцевать менуэт на придворном балу. Умение танцевать считалось неотъемлемой частью хорошего воспитания дворянских детей.
ПОЛОНЕЗ – торжественный танец-шествие в умеренном темпе, имеющий польское происхождение. Исполнялся, как правило, в начале балов, подчёркивая возвышенный характер праздника. В полонезе танцующие пары двигаются по установленным правилами – геометрическим фигурам. Как и все бальные танцы, попав в аристократические салоны, полонез стал более сдержанным, чопорным и блестящим.
МАЗУРКА – этот танец впервые появился в Польше. Название его исходит от названия жителей Мазовии – мазуры, у которых и появился этот танец. Для него характерен, быстрый темп, частые резкие акценты. В XVII веке мазурки вошли в цикл польских крестьянских танцев (сельские балы). В XIX веке мазурка получила распространение как бальный танец и в других странах Европы. Удаль, блеск и грация отличают мазурку.
6. Где был поставлен первый балет?
Ответ: Франция
7. Чем отличался балет Санкт-Петербурга от балета Москвы?
Ответ: Балетный стиль Санкт-Петербурга отличался академической завершённостью и строгостью; в Москве, где особой популярностью пользовались комедийные и жанровые балеты, выработался более живой, эмоциональный, исполнительский стиль.
8. Как появились уличные танцы?
Ответ: Рождению такого явления, как уличные танцы, предшествовала совсем иная уличная «культура» - жесткое противостояние банд в «черных» кварталах американских мегаполисов. Молодым, сильным, но бедным афроамериканцам некуда было приложить свою энергию. Фитнес-центры, платные студии, спортзалы и прочие блага были им недоступны. К тому же, единственным способом утвердить свое лидерство в том или ином районе считалась грубая сила. «Черная» молодежь явно желала самовыражаться, но не знала как. Возможно, драки так и остались бы основным видом общения, если бы не нашлась мирная альтернатива – уличные танцы.
9. Где и когда появились уличные танцы?
Ответ: уличные танцы зародились в 70-х годах прошлого столетия в бедных кварталах Нью-Йорка и Лос-Анжелеса. Именно в Бронксе (Нью-Йорк) образовалась основная хип-хоп платформа, на которой в дальнейшем возникали и развивались все уличные танцы.
10. Перечислите стили танцев, которые входят в уличные.
Ответ: Уличные танцы объединяют несколько стилей, которые зародились вне стен танцевальных студий. А точнее, современные уличные танцы – это миксы из разных стилей - хип-хоп, хаус, локинг, поппинг, рагга данс, нью-стайл, нью-эйдж, брейк данс, электрик-буги, крамп, и прочих
11. Где и как танцоры учились уличным танцам?
Ответ: Площадкой для тренировок танцоров служили листы оргалита (Древесно Стружечные Плиты), разложенные прямо на улицах. Молодые люди становились в кружок вокруг этой спонтанной микросцены и по очереди показывали друзьям свои наработки, с азартом осваивали довольно сложные, насыщенные акробатикой уличные танцы. Постепенно, стихийные группы объединялись, обменивались опытом, открывали новичкам секреты мастерства. Старшие обучали младших, уберегая их от ошибок, приводящих к серьезным травмам. На тех же листах ДСП демонстрировались уже отточенные уличные танцы.

Учеба в школе Танцев

Краткое описание этапа:
Цель. данного этапа является ознакомить участников с историей танцев 20 века и показать их влияние на современный мир. Отряды распределили в одну школу. Инструктор говорит, что теперь пора на пары/лекции/уроки, чтобы узнать что-то новое. Они отправляются на учебу по истории развития танца в 20 веке. У каждого отряда есть карточки где им нужно заполнить основную информацию по каждому из отрывков времени.
Подготовить заранее:
1. Карты для заполнения
2. Визуальные материалы

Описание станций
*1900 - 1920
*1920-1940
*1940-1960
*1960-1980
*1980-2000

1900-1920

1900 Конец 19 века и начало 20 еще время балов и маскарадов, которые постепенно начинают заменяться более современными танцами. Хотя к началу 20 века техника танца упростилась, но бальные танцы всё равно оставались уделом высшего общества. На самом деле упрощение техники началось еще раньше, примерно в 80-ых годах 19 века. Когда в программу учебных заведений стали добавлять обучение танцам, наряду с гимнастикой. Целью было не сколько научить всех десятку стандартных танцев, сколько дать возможность студентам переключиться между занятиями. В результате, к началу XX века сложилась парадоксальная ситуация: танцевать теперь умели многие, но старые танцы уже не радовали, и казались скучными. А танцы при этом становились все популярнее и доступнее, и наконец, вошли в каждый дом. Музыка диктует танцевальную моду. Длинные танцы, рассчитанные на большие залы стали вытесняться простыми парными, которые можно было танцевать даже в небольшой комнате. Хореографы получили уникальную возможность: они стали составлять несложные танцы «на злобу дня», под популярные мелодии, и в музыкальных магазинах ноты этих мелодий продавались вместе с такими описаниями. Бум таких танцев пришелся как раз на 1900-1905 гг. Балы в это время тоже никуда не девались, но их популярность уже уменьшалась, а на самих балах спокойно сосуществовали классические танцы с новыми. А главное! Главное! Появились "белые" танцы! Правда, их еще не называли "белыми", а просто говорили - "дамы приглашают!" В 1903 году в Россию приходит американский танец Кекуок. Неприличный и скандальный, он тут же становится безумно популярным. Конечно, на балу вы бы его не увидели, но в салонах, или маскарадах… Его можно было отвергать, над ним можно смеяться, но ничего с его популярностью сделать было нельзя – ведь его можно танцевать одной парой, под любую польку или марш. Попробуй, запрети! Расцвет популярности как раз приходится на 1905, и уже в этом году звезда кекуока стала закатываться – в конце этого года в моду входит Матчиш! Еще более хулиганский, полностью импровизационный, да еще и можно обнимать даму как хочется! Вы выучили все движения кекуока? Используйте их в матчише! ​​Матчишродился в бразильской провинции. Партнеры двигались быстрым скользящим шагом, кружились и то и дело обни­мались — причем партнер прижимал к себе спину партнерши. Для той чинной эпохи танец, основанный на афро-латинских ритмах, казался огнен­ным, «сладострастным». А также в 1900 начали появляться предвестницы танца модерн. Четыре независимых танцовщиц, каждая из которых осталась в истории как предвестница модерна. Их главной целью было доказать, что хореография может быть серьезным ви­дом искусства, а танец — это не только шоу. Самая известная из них, Айсе­дора Дункан, считала, что танец должен развиваться естественно, в соответ­ствии с индивидуальностью исполнителя — достаточно слушать свое тело и его им­пульсы. Это стали называть свободным танцем. Ее старшая коллега Лои Фул­лер, придумавшая десятки способов сделать свет и цвет важной частью хорео­графии, оказала серьезное влияние на развитие не только танца, но и сце­но­гра­фии. Рут Сен-Дени открыла в США «Денишоун» — первую школу, где си­стематически обучали разным видам движения, от балета до йоги. Четвертая предвестница — Мод Аллан, чья «Саломея» стала потрясением для публики того времени. Вообще, про ее стиль довольно мало известно, гораздо больше внимания пресса того времени уделяла связанным с ней скандальным историям.

Дальше переходим к 1910 годам Появились так называемые “животные танцы” Тарки-трот - Американский бальный танец начала XX века, исполняемый под музыку Регтайма (Афроамериканский музыкальный жанр). Исполняется в паре, с продвижением по кругу. Движение вперёд перемежается с прыжками вбок. Для танца характерны внезапные остановки и подрезающие действия ногами. один из первых танцев с «животным» названием, получивший популярность в танцевальных залах. В качестве бального танца он проявил себя в в начале XX века. А также были такие животные танцы, как Гризли Бир, Рустер Рег и Анималер. Помимо них в 1910-ых своё процветание начал широко известный танец -Танго. Танго родилось в рабочих районах Буэнос-Айреса; одним из его источников была хабанера, кубинский народный танец. Танго быстро завоевало весь мир. Не последнюю роль в этом сыграла связь страсти и насилия, которая сполна проявилась в «жестоком» танго, или танго апаш, где партнер-мачо гнул и швырял свою даму, как будто хотел ее прикончить. Перед Первой мировой войной в буржуазных салонах танго укротили и облагородили, но оно сохранило свою эротичность, образ еле сдерживаемого желания, «пламени во льду». Тангомания захватила Европу настолько, что папа римский издал особую буллу, запрещающую танго. Тем не менее слава танго росла — в немалой степени благодаря немому кинематографу. Танго развивался как танец для развлечения. А вот танцем для искусства стал экспрессионистский танец. Параллельно с Америкой танец развивался и в Европе, но по другому сценарию. Направление, которое возникло в Швейцарии и Германии в начале XX века, называют экспрессионистским танцем или немецким модер­ном. Танцовщики и хореографы наравне с другими философами и художника­ми искали способы выражения нового восприятия мира и новых смыслов через движение и взаимодействие с пространством. Композитор Эмиль Жак-Даль­кроз придумал ритмику: на занятиях сольфеджио он обнаружил, что его ученики лучше усваивают материал, если двигаются вместе с музыкой, и начал развивать систему, соотносящую ритм и движение. Рудольф Лабан анализиро­вал движение тела в пространстве и изобрел способ записывать танец на бума­ге, которым пользуются до сих пор (он так и называется — лабанотация). Его уче­ники, Мэри Вигман (создательница танцев-ритуалов вроде «Песни-пляски» на слова Ницше) и Курт Йосс, развивали экспрессионистский танец, обращаясь к непростой послевоенной повседневности, темам смерти, насилия, отчаяния.

1920-1940

В начале 20-ых годов танцы становятся новым видом досуга масс. На место длинных и сложных танцевальных схем приходит импровизация. Стираются и социальные рамки, танцы теперь — для всех слоев общества. 1920-е — десятилетие джаза в США. Часть афро-американского населения, переехавшая с Юга на Север в поисках работы, принесла с собой и музыку: джаз, блюз, регтайм.

Виды танцев:

• Фокстрот:

Этот парный танец появился в 1910-х годах, однако широкое распространение получил в 1920-е. По одной версии, его придумал актер Гарри Фокс: на одном из кинопоказов молодому человеку нужно было заполнить паузу между фильмами, и тогда он начал танцевать с девушкой. По другой версии, фокстрот переводится как «идти лисьим шагом» — за схожесть движений с повадками животного. Во время фокстрота танцующие пары быстро перемещаются по залу, что на первый взгляд напоминает вальс. Однако темп совершенно другой, за счет того, что танец исполняется под регтайм. Со временем появилось множество версий фокстрота. Сейчас известен быстрый фокстрот (или квистеп), медленный фокстрот и народный. В быстром варианте растет темп музыки, и танец становится более энергичным, почти сумасшедшим. Медленный фокстрот, наоборот, выглядит романтично. Он был популярен в Англии и советской России — режиссеры Всеволод Мейерхольд и Николай Фореггер даже ставили его в своих спектаклях.

• Танец модерн

Создатели модерна искали танцевальный язык, на котором можно было бы говорить не только о чувствах и явлениях природы, но и о серьезных вопросах, которые тревожат автора и его современников, — о любви, войне, несправедливости, бессилии. Основателями танца модерн называют четырех хореографов, так называемую великую четверку. Трое из них были выпускниками школы Рут Сен-Дени «Денишоун», но к концу 1920-х уже работали самостоятельно. И очень успешно. Самая известная из них — Марта Грэм. Она создала собственную технику, в основе которой — смена сжатия и расслабления, освобождения тела танцовщика, открыла самую успешную труппу танца модерн в XX веке и стала автором более сотни постановок.

• Линди-Хоп (для развлечения)

Линди-хоп — это самая сложная форма свинга, а свинг (от англ. swing — «качание») — общее название танцев под североамериканский джаз, которые появились благодаря возникновению больших джазовых оркестров: их игра была более полнозвучной, чем игра маленьких джаз-бандов, и буквально «раскачивала» танцующих. Именно такой оркестр играл, например, в Savoy Ballroоm — танцевальном сердце Гарлема. Линди-хоп — это первый социальный танец, в котором появились акробатические элементы. Как и другие танцы под регтайм и джаз, его быстро заметили продюсеры Бродвея и Голливуда. Сформировались команды музыкантов и танцовщиков (одна из самых известных — Whitey’s Lindy Hoppers), которые выступали на сцене и снимались в кино. Так рожденный в Гарлеме линди-хоп отправился путешествовать по миру.

• Мерс каннингем (для искусства)

Мерса Каннингема часто называют модернистом или постмодернистом, но скорее он сбежал от одного и вдохновил другое, а сам остался отдельной величиной в истории американского танца. Каннингем начинал танцевать в труппе Марты Грэм, но за шесть лет работы возненавидел и технику Грэм, и ее концепцию движения — и уже в 1940-е он ушел от нее и создал свою компанию, где основной административной работой занимался его партнер, композитор Джон Кейдж. У Кейджа Каннингем позаимствовал принцип случайности, или алеаторики: так, у Кейджа игральные кости определяли порядок периодов в музыкальном произведении, а у Каннингема — порядок танцевальных сцен и кто из исполнителей будет танцевать какую партию. Этот принцип полностью отвечал идее Каннингема о необходимости разрушать привычные паттерны, отказываться от естественных и выученных движений. В конце жизни Каннингем увлекся компьютерными технологиями — хореографию он стал создавать не в зале, а в программах Life Forms и DanceForms, а затем предлагал своим артистам воплотить ее на сцене. Каннингем считал, что на сцене все виды искусства должны сосуществовать на равных правах, а не подчиняться одному — танцу. Он работал с авангардистами: музыку писал Кейдж, костюмы часто придумывал Уорхол, а сценографию — Роберт Раушенберг. При этом каждый работал, не зная, что делает другой. Всё вместе впервые собиралось уже в присутствии публики. Даже артисты часто узнавали, какие движение и в каком порядке им предстоит исполнять, всего за несколько минут до премьеры, а музыку впервые слышали только на сцене.

В СССР запретили как буржуазные танцы добавить со 2 мировой войной добавить академические и классические танцы неоклассический балет миграция русских танцоров

Русский балет Начало XX в. стало новым этапом в развитии отечественного балета, поскольку в Европе в 1909–1911 гг. этот вид искусства находится в упадке, и в центре внимания оказались русские хореографы (М.М. Фокин, А.А. Горский), танцовщики (А. Павлова, Т. Карсавина, В. Нижинский и др.), композиторы (И. Стравинский, С.С. Прокофьев) и художники-декораторы (Л. Бакст, А.Н. Бенуа, А.Я. Головин, Н. Рерих), заметное влияние на развитие балета стало оказывать искусство «свободного танца», привезенное в Россию Айседорой Дункан. Однако I Мировая война, революция 1917 г. в России, гражданская война перевернули уклад жизни, привели к смене государственного строя и идеологии. Этот период становится одним из самых сложных в истории русского балета: большая часть балетной элиты покидает страну, театр из элитарного становится общедоступным, возникает необходимость в смене репертуара и театральной политики. В результате в 1920-е гг. перед отечественным балетом встал ряд важнейших задач: сохранить традиции отечественного театра, пополнить труппы, восстановить спектакли, но одновременно создать искусство, отвечающее реалиям новой жизни и подходящее для нового зрителя. Вместе с тем традиции балета ассоциировались с царизмом и потому казались устаревшими, неподходящими для новой жизни, ведь аристократичный балет не мог воплощать революционную идеологию. В ответ на требование бурного времени менялись форма и содержание спектаклей, танцовщики стали использовать на сцене физкультурные, эстрадно-бытовые движения, драматическую пантомиму — все, кроме классического танца. Но настоящий танцевальный спектакль невозможно было создать на такой основе. Достижением этого периода также стало то, что Великая Октябрьская социалистическая революция дала новую жизнь балетному искусству: если до нее в России было два постоянных балетных театра ― в Петербурге и в Москве, то после нее ― более 40 балетных театральных коллективов, сотни ансамблей народного танца, балетные студии и народные театры балета. Хотя атмосфера искусства была пронизана отказом от всего буржуазного, но советский балет не только впитывал новые веяния, но опирался на наследие классической хореографии. Классический балет не только черпал в народном творчестве многообразные темы и сюжеты, выразительные средства, насыщался подлинной жизнью, правдой и богатством чувств, но сам обогащал народную хореографию. Этот процесс взаимного влияния ― характерная черта в развитии профессионального балета в России того периода. 1920-е ― начало 1930-х гг. ― эпоха экспериментов в советском балете: продолжаются поиски новых тем и выразительных средств; возникает и распадается множество учебных заведений по танцу; в балет проникают элементы акробатики и физкультуры; возникает эстрадный танец (на основе любого из видов с разнообразными выразительными средствами; яркий, доступный, зрелищный, исполняемый на любой площадке, с минимумом атрибутов); появляются различные студии, мастерские и школы свободной пластики и движения.

Таким образом, 1920-е гг. в России ― это время поисков и создания новых форм во всех областях искусства. Хотя после Октябрьской революции многие танцоры и хореографы оставили мятежную Россию, но костяк остался. Постепенно русский балет становится ближе к народу. Само сохранение классики для советской сцены и попытки приблизить ее к новой публике стали главными заслугами хореографии тех лет.

К началу 1930-х гг. эксперименты во всем русском искусстве, в том числе и хореографическом, стали восприниматься властями как нежелательное своеволие, отход от традиций. Многие студии были закрыты, начал формироваться официальный метод «социалистического реализма» и вскоре на первый план снова вышла традиционная для XIX в. форма многоактного сюжетного балета, которую пытались сочетать с новым, актуальным, содержанием. 1930-е гг. отмечены интенсивным влиянием на хореографический театр искусства драмы. Политикой государства драмбалет на революционную и советскую тематику был назначен эталоном, а все искания за его пределами объявлялись формалистическими. Лопухов (после разгромной критики балета Д.Д. Шостаковича «Светлый ручей»), К. Голейзовский, Л.В. Якобсон и некоторые другие лишились возможности ставить балеты в ведущих балетных труппах или оттеснялись на эстраду. Все представители неакадемических течений, свободного пластического, ритмопластического танца прекратили постановочную работу.

Таким образом, в 1930-е гг. история советского балета начинает новый этап, в котором сочетание классики и новшеств стало основой для последующего развития балетного искусства. В то же время в 1930–1940-е гг. в российском балете сложилась в целом неблагоприятная обстановка: с одной стороны, господствовал социалистический реализм, власть ставила перед искусством идейные задачи, которое оно было обязано решить. С другой стороны, именно тогда были созданы новаторские и выдающиеся произведения, получившие статус балетной классики, спектакль приобрел психологическую достоверность, полноценность драматургии, содержательность. Драмбалет послужил развитию искусства, позволил создать на сцене хорошо мотивированное, драматически выверенное действие с яркими характерами и острыми конфликтами. Балет сблизился с драматическим театром и успешно использовал его достижения: исполнители повышали актерское мастерство, нормой стал танец в образе.

1940-1960

40-е: Вторая мировая война, голод, смерть. Люди старались ценить каждый миг.

Фильмы: «Та ночь в Рио» (53:18)
Буги-вуги– парный танец, характеризующихся отсутствием упорядоченности движений, танцуется под джазовую музыку. Американцы завезли Свинговые танцы в Европу во время второй мировой войны. Европейцы переработали их и получился Буги-вуги. Развитие танца пришлось на вторую половину сороковых-начало пятидесятых

Джиттербаг– Jitterbug (с английского «возбужденный жук»), танец 30–50-х годов в характере Свинга1. Стиль Джиттербага описывается формулой: «танцевать, включая всё». Кувыркания, шпагаты и акробатика разного сорта, наложенные на свинговые прыжки. Во время войны танец не потерял популярность, но после ее окончания Джиттербаг стали заменять другие схожие танцы.

Самба– Бальный танец самба возник в результате взаимного влияния двух культурных традиций: африканских ритуальных танцев чернокожих рабов, прибывавших в Бразилию из Конго, Анголы и Мозамбика, и европейских танцев (вальс, полька), привнесёнными португальцами. Этот вид самбы стал популярным в США и Западной Европе в конце 40-х годов XX века. Многие движения танцоров были заимствованы из матчиша («бразильское танго»). Танец достиг мировой популярности благодаря певице, актрисе и танцовщице Кармен Миранде (1909–1955), которую называли «бразильской бомбой».

Танец, как искусство в 40-е (Мерс Каннингем)

50-е: Танцы в стиле 1950-х годов - истинное отражение эволюции, новаторства и веселья, характерных для той эпохи. Миссией рок-н-ролла были радость, разрядка, снятие отчуждения. Чтобы «фрустрированные» молодые люди могли почувствовать себя свободно, чтобы они увидели в музыке спасение По сути, в 50-е мир восстанавливается после второй мировой войны. Расцветает кинематограф и телевидение. Культура становится обширнее (цветное телевидение, поп-арт, скейтборды, байкеры, Евровидиние) Молодежь стремится выразить свои бурные эмоции через танец. Оформился из комбинации отдельных элементов афроамериканских и белых жанров, таких как блюз и кантри. Рокк-н-ролл был против расовых предрассудков

Рок-н-ролл– относится к спортивной, предназначенной для соревнований форме танца, берущей начало от Линди Хопа. Но, в отличие от Линди Хопа, Рок-н-Ролл — это постановочный танец, сочетающий танцевальные движения под ритмичную музыку с хореографическими и акробатическими элементами. Его танцуют в паре (партнёр и партнёрша) или в группе, состоящей целиком из женщин (мужчин) или из пар. Днем рождения танцевального рок-н-ролла считается 12 апреля 1954 года — день, когда Билл Хейли записал знаменитую песню «Rock Around the Clock».

Боп– американский стиль Свинговых танцев 40-50-ых. По сравнению с предыдущими образцами (Линди-Хоп, Свинг, Буги-Вуги, Джиттербаг) имеет более сложный рисунок шагов и ускоренный темп.

Халипсо– Латиноамериканский бальный танец 1950-х годов. Темп умеренный. Для танца характерны переступания вперёд и назад. Калипсо – это стиль развлекательной музыки, характерный для южных и восточных островов Карибского архипелага, в особенности для острова Тринидад. Происходит он от афро-карибского фольклора и музыкально очень близок к бразильской Самбе.

Джайв– это разновидность свинга со свободными движениями. Это довольно быстрый, энергичный латиноамериканский танец, включающий в себя множество элементов — бросков. Джайв относится к одним из самых сложных бальных танцев. История джайва начинается с 19 века. Свое начало данный танец ведет от ритуальных танцев африканцев. Во время Второй Мировой войны джайв пришел в Европу и сразу же завоевал большую популярность среди молодежи. Но довольно долгое время данный танец был запрещен в танцевальных залах из-за характерных ему атлетичных движений, прыжков и рискованных подъемов.

Танец, как искусство в 50-е (Морис Бежар)

1960-1980

Твист начали танцевать в самом конце 1950-х, но после того, как в 1960 году 19-летний афроамериканец Чабби Чекер (настоящее имя — Эрнест Эванс) исполнил песню «The Twist» с группой American Bandstand, Америка букваль­но сошла с ума (этому явлению — мгновенной и кратко­срочной популярности танца — даже дали название dance craze), а за ней и весь мир. Тремя годами позже Чекер закрепил успех синглом «Let’s Twist Again». Твист завершил долгую эволюцию клубных танцев, которые постепенно дви­гались от танца в тесном контакте с партнером к танцу индивидуальному. Еще в рок-н-ролле пара держалась за руки (даже если только касаясь друг друга кончиками пальцев), а в твисте партнер уже в принципе не обязателен. И, глав­ное, танец был необыкновенно прост в исполнении: опорной ногой надо проде­лывать движение, как будто давишь окурок подошвой; другая нога при этом раскачивается. В движение включаются бедра, а руки работают так, будто растирают спину полотенцем после душа. Помимо прочего, для этих движений не нужно много места: твист можно было танцевать и в собственной спальне, и в тесном ночном клубе.

В отличие от многих других явлений в искусстве, у танца постмодерн есть дата рождения. Это 6 июля 1962 года, день, когда в баптистской мемориальной церкви Джадсона состоялся «Танцевальный концерт (#1)», в котором студенты класса композиции Роберта Данна показывали свои работы, созданные за два года занятий. Они назвали себя постмодернистами, отрекаясь таким образом от ненавистного им танца модерн, который, по их мнению, заменил старые пра­вила на новые, вместо того чтобы отказаться от них вовсе. В знаменитом «No Manifesto», написанном одной из самых ярких представительниц этого те­чения Ивонн Райнер, говорится об освобождении: не надо танцевать для зри­теля, не надо учиться и уметь танцевать, чтобы выразить свои чувства, не надо играть в принцесс или героев, не надо танцем рассказывать истории. Живи со­бой, здесь и сейчас. Танцуй в парке, реагируй танцем на то, что происходит вокруг, экспериментируй.

Музыкально-танцевальный стиль диско (от англ. disc — «виниловая пла­стин­ка») сложился в конце 1960-х — начале 1970-х годов, когда в клубах вместо джаз-бандов и рок-групп, играющих живую музыку, начали крутить пла­стин­ки. Ночной клуб в Париже, на улице Юшетт, где была собрана целая биб­лиотека дисков, стал называться «Дискотека». Стиль диско вобрал в себя много самых разных влияний: джаз, ритм-н-блюз, соул, госпел, латино, — так что в результате каждый мог найти в нем что-то по душе. Поколению одино­чек, «атомизированных индивидуумов», не могло не нравиться и то, что диско можно танцевать без физического контакта и что танцующему предоставляет­ся полная свобода действий. Музыканты, создавшие стиль — Донна Саммер, Глория Гейнор, Вэн Маккой, группа Bee Gees. Диско-хит Вэна Маккоя «The Hustle» дал начало одноименному танцу (кото­рый, впрочем, обычно танцуют парами). Хастл вобрал в себя латиноамерикан­ские ритмы и ритмической структурой похож на тустеп или линди-хоп — тан­цы, в которых на каждый такт делается по два шага. Базовая структура шагов дополняется импровизированными движениями, что делает любую танцую­щую пару уникальной, не похожей на других.

Пина Бауш, наверное, самый известный хореограф XX века. Она была уче­ни­цей Курта Йосса, а затем солисткой в его труппе Folkwang Ballet. Там она на­чала самостоятельно придумывать для себя хореографию (по ее словам, она не собиралась становиться хореографом, но ей хотелось больше танцевать), а в 1969 году стала художественным руководителем театра. В 1973 году ее при­гласили возглавить балетную труппу оперного театра в Вуппертале, и вскоре труппа выделилась в отдельную танцевальную компанию — Вуппертальский танцтеатр. Танцтеатр — это жанр, придуманный Куртом Йоссом, в котором на сцене смешиваются балет, опера, драма. В спектаклях Пины Бауш артистка может танцевать, а через минуту взять в руки аккордеон и запеть. Или заку­рить и начать рассказывать о своем детстве.

Часто Пина просила своих арти­стов подумать о чем-то и на следующей репетиции показать свою историю. Из таких лоскутков она могла собрать целый спектакль.

Шведский хореограф, создатель собственного стиля танца, отчасти вдох­нов­лен­ного танцем модерн и работами Марты Грэм. Много лет был главным хореографом ведущей труппы Швеции Кульберг-балет, которую создала его мать Биргит Кульберг. В танец Эк пришел сравнительно поздно — ему было уже 20 лет. Он поставил много классических балетов, но серьезно переработал их сюжеты. Так, его Спящая красавица впадает не в колдовской сон, а в наркотический, а в «Лебе­ди­ном озере» вместо прекрасных лебедей танцуют гогочущие утки. В «Жизе­ли», которая прославила Эка в 1982 году, главная героиня в конце первого акта сходит с ума, а не умирает, и поэтому действие второго акта с кладбища переносится в психиатрическую больницу. В большинстве балетов Эка солировала его жена — балерина Ана Лагуна, но ра­бо­тал он и с другими звездами балета — например, с Михаилом Барышнико­вым и Сильви Гиллем.

1980-2000

Рассматривать танцы в этом периоде мы будем с двух сторон: искусства и развлечения. И начнем с танцев, которые в 80х танцевали для развлечения

мКонец 70х принес бурный рост диско. В это время снова стали встречаться парные танцы, но не за горами была мода на брейк-данс, которая сначала захватила Бруклин и Бронкс, а затем распространилась по всему миру. Изменения в танцах 80х появились из-за изменений в музыке того периода и из-за исторических событий того времени. Одним из самых важных событий 80-90х в мире стало окончание “Холодной войны”, стало появляться большое количество новых субкультур, таких как, панки, скинхеды, неформалы и другие. В области культуры 80е ознаменовались преобладанием массовой культуры, из-за возникновения доступных средств массовой информации, телевидение стало оказывать большое влияние на общество, расцвет блокбастеров, благодаря появлению компьютерной графики, короче говоря, новые технологии стали доступными и попали в массы, что естественно повлияло на искусство, в том числе и на танцы.

С началом 80х зазвучала новая электронная музыка В этот период начинается расцвет танцевальной электронной музыки, включающей в себя такие направления, как техно, электро, драм-н-бейс, хаус и транс. Разбирать то чем вся эта музыка отличается мы не будем, потому что главное, что нужно понять - увеличение количества танцевальной музыки привело за собой появление новых танцевальных жанров. С появлением программируемых драм-машин (электронных музыкальных инструментов, с помощью которых можно было соединять треки, крутить на репите одни и те же моменты, менять ритм аудио дорожки и тд) В электронную музыку с дискотек и радио перешла профессия диджея, который оперирует пластинками на специальной установке, диджеи начали не просто ставить пластинки, а останавливать, повторять моменты одной и той же музыки, создавая то, что сейчас мы называем ремиксами. Собственно, благодаря нововведениям в музыке появился один из самых популярных на данный момент уличных танцевальных стилей - хип-хоп - уличный танцевальный стиль, он включает в себя широкий диапазон стилей, таких как брейк-данс, локинг, поппинг (чуть позже расскажу про них по отдельности), которые были созданы в 1970 году и стали популярными в США благодаря танцевальным командам. Телевизионное шоу «Soul Train» (американская музыкальная передача, выходившая с 1971 по 2006, в которой выступали исполнители разных направлений хип-хора) и фильмы 1980-х годов «Брейк-данс», «Бит-стрит» и «Дикий стиль» рассказали широкой аудитории о данном танцевальном направлении, делая хип-хоп культуру мейнстримом. Хип-хоп называли просто - новым стилем Фильмы 1980-х годов, телевизионные шоу и интернет продолжили развитие хип-хоп культуры за пределами США и принесли ей всемирную известность.

Отдельно про стили в хип-хопе Брейк-данс — спортивный стиль уличных танцев, созданный в США афроамериканской и пуэрториканской молодёжью в начале 1970-х годов. К концу семидесятых танец начал распространяться в других сообществах и становился всё более популярным Практикующего этот танец называют би-бой, би-гёрл, брейк-дансер или брейкер. Брейк-данс был включён в программу Олимпийских игр 2024, которые пройдут в Париже Локинг — фанковый стиль танца. Название этого стиля пришло из английского «lock» (замок), так стали называть сочетание быстрых движений и замирания в импровизационных позициях на короткое время, а затем продолжения движений с той же скоростью. Этот стиль основан на быстрых и четких движениях рук и более мягких движениях бедер и ног. Поппинг или паппинг — стиль танца, основанный на сокращении мышц, создающий эффект резкого вздрагивания в теле танцора — пап или хит. Это делается непрерывно в ритме музыки в сочетании с различными движениями и позами. Танцор, исполняющий паппинг, называется паппером. Паппинг в России долгое время неверно назывался «верхний брейк-данс». Про верхний брейк кстати, было такое разделение брейк-данса было только в СССР из-за ограниченности страны в информации и верхний брейк при этом активно развивался, поэтому остальные страны в которых набирал популярность брейк данс уровень профессионализма был значительно выше. Вообще хип-хоп - это не только направление в танце, хип-хоп культура - полноценная уличная субкультура, имеющая свои отличительные особенности помимо музыки и танцев: мода в одежде, жаргон, граффити и тп

Про одежду: в современном мире мы тоже частно видим наследие хип-хопа, реперы - тоже относятся к хип-хоп культуре. И, как я думаю все замечали, многие реперы носят одежду на пару размеров больше нужного. Появилось это от того, что хип-хоп культура зародилась в бедных районах Нью-йорка и поэтому подростки в таких районах носили вещи, из которых они не так быстро вырастали. Вот так начавшись с простой экономии на одежде к 1985 мода распространилась по всему миру

Искусство 80х Французский танец и не танец. Во Франции современный танец появился очень поздно и вплоть до 70х (пока в остальном мире активно зарождались новые стили) неклассические танцы исполнялись практически тайно, в закрытых залах, после основной работы. Собственно к началу 70х студенты начали устраивать забастовки, заставив пересмотреть ценности в искусстве, и современный танец наконец-то стал появляться на больших сценах. В 80х - 90х во Франции началась ‘танцевальная децентрализация’, когда внимание перешло с именитых столичных школ балета на профессиональные центры танца, возглавляемые молодыми хореографами. Цель такой политики была в том, чтобы устранить разделение на провинциальное и столичное искусство, которое считалось более профессиональным

С развитием современного танца во Франции появился ответ на американский постмодерн - французский не-танец (non-dance) Большинство хореографов, разработавших не-танец, были выходцами из среды nouvelle danse française (новый французский танец) в котором они участвовали в качестве исполнителей в 1980-х годах. Они стали хореографами в 1990-х годах, их работа все больше сосредотачивалась на создании произведений, в которых танец и танцевальное движение исчезают в пользу многих других видов деятельности или театральных техник

У хореографов, участвовавших в создании французского не-танца была отличная хореографическая база, но почему тогда это именно НЕ-танец? Танец перестал быть основным средством художественного высказывания, все дальше французы стали уходить от хореографии, используя в постановках драматическую игру или импровизацию, пение, стендап, видеопроекцию и 3d графику Маги́ Маре́н, также Марэ́н — французская танцовщица и хореограф, один из лидеров современного французского танца, экспериментального направления «не-танец», родилась в 1951 и сейчас ей уже 70 лет Жозеф Надж — французский танцовщик и хореограф, представитель новейшего течения «не-танец».

90е Танцы для развлечения Ламбада и макарена

Новинки танцев 90х напрямую зависит от новинок в музыке, почти во всех случаях новый модный танец появлялся после популяризации какой-то новой песни В бурные восьмидесятые ламбада стремительно ворвалась в нашу жизнь и покорила весь мир. Местом рождения ламбады называют бразильский город Порту-Сегуру. Название lambada происходит из португальского языка. Термин португальского происхождения дословно означает «соприкасаться».На бразильских радиостанциях так называли просто популярные танцевальные мелодии, «шлягеры» В конце 1980-х годов французский продюсер Оливье Ламот посетил Порту-Сегуру, побывал на местном карнавале и загорелся идеей привезти танец в Европу. Он сформировал поп-группу, записал песню и танец мгновенно стал популярен, в том числе возродилась его популярность в Бразилии Основу ламбады составляют танцы индейцев Амазонии — каримбо, форро и матчиш. У каримбо ламбада позаимствовала чувственный характер, вращательные движения бедрами, покачивания юбкой. Матчиш также передал ламбаде некоторые движения. Однако следует отметить, что причастность к откровенно сексуальному и запрещенному матчишу несколько подпортила репутацию новому танцу. Долгое время существовал миф о том, что ламбада была запрещена в Бразилии из-за своего эротизма. На самом деле, запрещен был в конце 19 – начале 20 века матчиш, а ламбада стала «жертвой» недостоверной информации и сплетен.

Ламбада – это парный танец. Идея танца – триумф молодости, красоты и чувственности. Движения ламбады партнерша начинает совершать с правой ноги, а партнер – с левой. Соответственно, заканчивают фигуру партнерша левой ногой, а партнер, наоборот – правой. Особенностью танца является постоянный контакт между внутренней стороною правой ноги мужчины и внутренней стороною правой ноги женщины. Партнер может становиться на пол целою стопою, а партнерша передвигается исключительно на носках и держит свои ноги более прямо, чем партнер, чтобы иметь возможность совершать повороты. Певцы из Испании Антонио Ромеро и Рафаэль Руис объединились в дуэт еще в шестидесятых годах 20 века. Но стать всенародно известной их группа Los Del Rio смогла лишь в 1993 году с появлением хита “Macarena”. Как и ламбада макарена стала популярна после песни. В результате почти сразу появился и одноименный танец, показанный в клипе на эту новинку. Он стал совокупностью нескольких стилей: фламенко нуэво пачанга румба Не смотря на стили танец не стал сложным, наоборот легкость движений поражает воображение

Танцы для искусства 90х Гага. «Танцевальная компания „Батшева“» в Тель-Авиве была открыта Мартой Грэм и баронессой Батшевой де Ротшильд еще в 1964 году, но настоящим центром современного танца она стала в 1990-е, когда ее возглавил Охад Нахарин. Охад Нахарин создал собственный хореографический язык, который называ­ется гага. По словам самого хореографа, гага-это не стиль в хореографии, это способ движения. Цель танца - стать раскованнее, задействовать все мышцы, из-за первого в залах, где танцуется гага нет зеркал, на саму практику не смотрят посторонние, а педагог танцует вместе с учениками. Это одна из самых популярных тех­ник на сегодня. Охад Нахарин — хореограф с мировым именем, художественный руководитель «Балетного ансамбля Батшева». Внук выходцев из России, Охад Нахарин родился в кибуце (сельскохозяйственная коммуна в Израиле), рос в артистической среде: его мать преподавала танец и композицию, а отец был актером.

Гастроли

Кратное описание этапа:
Целью данного этапа является познакомить участников с танцами разных стран.
Подготовить заранее:
1. Народные костюмы
2. Флаги
3. Проектор
4. Фото и видео материалы
5. Показательные танцы
Описание станций
Отряды приглашают отправится на гастроли вместе с их школой танцев, к сожалению у них еще слишком мало опыта, чтобы выступать самим, но они могут посмотреть на то, что танцуют в других странах и почему. Какие же страны им предстоит посетить:

• Грузия
• Ирландия
• Испания
• Новая Зеландия
• Аргентина
• Индия

Грузия

Грузинская свадьба

Персонажи мира: Невеста Папа невесты Муж

Участники прищли на подготовку к свадьбе, дети делятся попалам,половина идет готовить невесту (платье одевать, украшения подбирать и тп), другая накрывать на стол с Корабликом, потом меняются Когда все подготовили начинается застолье, Витал говорит тост, мы с Корабликом танцуем, кушаем и радуемся

Муж (история возникновения, развитие) Народные грузинские танцы имеют древнюю историю, точная дата грузинского танцевального фольклора неизвестна, но предполагается, что упомянут он был еще до нашей эры. За несколько веков до прихода христианства грузинские племена населяли черноморское побережья Кавказа, территорию которого сейчас делят Россия, Абхазия и собственно Грузия. Началась история грузинских народных танцев с языческих ритуалов грузин, содержащих элементы танца. Танцы были важны не только в вере, чанские племена (грузины, жившие на восточном побережье черного моря) начинали свои сражения воинственными песнями и танцами. Танцы стали важной частью повседневной жизни грузинского народа: Хоровая и певческая музыка были неразрывно связаны с танцем, даже с процессом труда и другими аспектами повседневной жизни. Благодаря этой связи появились танцы, имитирующие поведение животных, хороводы, танцы изображающие охоту, земледельческий труд и так далее

Грузинские танцы постепенно эволюционировали, менялась их форма и содержание. Так появились воинственные, свадебные, любовные, увеселительные, спортивно-соревновательные танцы. К более знакомой нам форме грузинские танцы приходят в средневековье, они стали более профессиональными, часто исполнялись во дворцах царей и феодалов В этот период к групповым (массовым) танцам прибавляются сольные и парные Утверждаются каноничные танцевальные движения.

Ансамбль народного танца Грузии — хореографический коллектив, основанный в Тбилиси (Грузинская ССР) в 1945 году. Первыми руководителями ансамбля, а также его солистами стали супруги Нина Рамишвили (танцевала до 1972 года) и Илья Сухишвили (танцевал до 1954 года).

«Сухишвили» стал первым ансамблем народного танца, который выступил на сцене «Ла Скала» в Милане еще в 1967 году. Занавес поднимался 14 раз — рекорд знаменитого тенора Энрике Карузо (11 раз) был побит. Всемирно известным ансамблем руководит уже третье поколение династии Сухишвили-Рамишвили. С 2007 года художественным руководителем ансамбля является Илико Сухишвили-младший, а директором – Нино Сухишвили. С 2010 года народные танцы являются обязательным предметом в школах Грузии. На данный момент они являются нематериальным наследием UNESCO.

мТанцы, появившиеся благодаря ритуалам и религии:

• танец «Лампроба»

Является остатком языческого ритуала поклонения Луне древний сванский народный праздник в знак победы над врагами и посвященный святому Георгию. Дата праздника переходящая — за десять недель до Пасхи, как правило, отмечается в феврале. Основные мероприятия праздника связаны с поминовением предков, разжиганием костров, факельными шествиями и праздничной трапезой. Языческие корни имеют и многие пляски сельскохозяйственного характера, как сванские «Адрекилай» или «Сакмисай», которые посвящались богу плодородия

• "Сванури"

Ритуальный танец во славу бога. "В ритуальных обрядах сохранен культ больших жертвоприношений в честь солнечного бога, олицетворяющие ритуалы божественных эмблем, праздник огня (зимой и весной), что определяло грузинское мифологическое мировоззрение, на которое влиял языческий календарь. Очень часто праздник, начинающийся с колокольного звона, заканчивается звоном кинжалов." Короче говоря, это сваны. Буйные как и мтиулы, но слишком уж высокие горы заморозили сванов. Тут эмоции выражаются все же сдержано. Жители Сванети суровы и грозны.

Невеста (виды танцев, движения, костюмы) Грузинские танцы - это симбиоз грации и экспрессии. Как и народная музыка, танцы отражают национальный колорит, особенности той местности, в которой они возникли. Каждый регион имеет свои характерные черты, своеобразный стиль исполнения. Эти особенности находят отражение и в танцевальном костюме – неотъемлемом атрибуте танца. Разделяются они на сольные, парные и групповые. Женщины двигаются грациозно, маленькими шажками с прямой и неподвижной спиной. В мужской партии главное — быстрые движения и высокие прыжки. Грузинский танец сложен в исполнении. Требуется мастерство, физическая сила и выносливость. Движения женщин грациозны и мягки. Плавно переступая маленькими шажками, они как будто плывут над землей. В противовес женщинам мужчины двигаются резко, экспрессивно и быстро, демонстрируя силу и воинственность. Обязательными элементами в танце мужчин являются высокие прыжки, сложные пируэты, резкие повороты, танцы на пальцах и коленях. Все танцевальные движения исполняются с прямой и неподвижной спиной.

Каждый танец-уникален и рассказывает о разных событиях: свадьбах, войнах, жизни горных народов и городской жизни. Танец — это жизнь того грузинского региона, в котором он зародился. Так танцы горцев значительно отличаются от танцев равнинных жителей. Для каждого танца используются особые костюмы, которые объединяют историю и искусство. Наиболее известными являются ачарули, картули, мтиулури, кинтоури, самаиа.

Ачарули (аджарские хачапури так же называются, лол) - аджарский танец. Красочные костюмы, яркие номера и простые движения делают танец привлекательным. Ачарули - кокетливый танец, основой которого является флирт и игривость танцоров. В отличии от картули в этом танце отношения между партнерами гораздо более непринужденные

Картули - свадебный танец, отражающий строгость нравов грузинского народа. Скромность, манерность и грация - главное в этом танце. Во время исполнения партнеры танцуют на расстоянии, не касаясь друг друга. Мужчина во время танца не отводит взгляд от партнерши, а женщина в это время может смотреть только в пол, потупив взгляд

Мтилури - горный танец, который является воплощением мужества грузинского народа. Его смысл заключается в соревновании за женщин и территории.

Кинтоури - городской танец, показывающий жизнь горожан старого Тбилиси. Название танца происходит от слова «кинто», так в Тбилиси называли мелких уличных торговцев. Для танца характерны восточные, азиатские ритмы, экстравагантные движения и веселые жесты.

Самаиа - восхваление и прославление Царицы Тамары. Танец исполняется тремя девушками. Мягкие и грациозные движения создают атмосферу красоты, славы и могущества.

Национальные костюмы Законодателем мод во все времена в Грузии был, конечно же, Тбилиси. Здесь, где наравне с грузинами проживали представители разных народов, разных вероисповеданий, выкристаллизовывались, наполнялись необыкновенным содержанием, раскрашивались в чудные цвета наряды, платья и костюмы. Женщины носили длинные, сильно приталенные платья, с плотно облегающим лифом, отделанным бисером, золотой тесьмой, жемчугом. Пояс был из бархата, шелковой или муаровой ленты. Его широкие концы, богато расшитые золотом или шелком, спереди спускались почти до пола. Знатные грузинки шили платья из дорогих, чаще привозных шелковых тканей, из атласа ярко-красного, желтого, белого, голубого, синего, зеленого цветов. Головной убор (тавхурва) грузинок состоял из картонного ободка (чихта) по размеру головы, обтянутого тканью, и тонкого валика из ваты, покрытого шелковой тканью. К картонному ободку прикреплялась головная повязка (тавсакрави) — узкая полоска из бархата. Под ободок особым образом надевалась вуаль (лечаки). Престижным считались лечаки из тончайшей марли, тюлевые или атласные. Один конец вуали свободно спускался по спине, закрывая косы, другим концом замужние женщины закрывали шею. Поверх головного убора, выходя из дома, грузинки накидывали шелковый платок (багдади) или большие коленкоровые покрывала (чадри), в которые закутывались с головы до ног, оставляя открытым только лицо, иногда — только глаза. Знать носила коши — туфли на высоком каблуке с загнутым вверх носком, без задников, из яркого бархата. Бедные горожанки обходились своеобразными лаптями из грубой кожи (каламани). Традиционная мужская одежда состояла из нижней рубахи (перанги), сшитой из ситца, шелка или холста, нижних штанов (шеидиши), широких верхних штанов (шарвали), сработанных чаще из черного ластика или сукна черного или гранатового цветов. Верхней довольно короткой одеждой служил архалук, на который надевалась черкеска (чоха) длиной ниже колен. Верхняя одежда подпоясывалась узким наборным серебряным поясом с пряжкой. К поясу подвешивался кинжал. Богатые носили башмаки на высоком каблуке без задника (коши), мягкую обувь без каблука (мести), сапоги из мягкой кожи (цаги), украшенные драгоценными камнями. Бедняки довольствовались каламани, которые надевали с вязаными носками. Комплекс одежды без оружия считался неполным, поэтому даже представители неимущих.

Аргентина

Мир: Гирлянды Всё происходит в кафе танго. Там сидят организаторы, дети приходят, они начинают общаться просто на какие-то темы, потом через 2 минутки начинает играть музыка танго, и организатор мальчик, находящийся в мире приглашает девушку танцевать. Они танцуют 2-х минутное танго.

Аргентинское танго - это танец страсти, эмоций, переживаний, любви, любви всей, или безответной. Очень часто мы можем наблюдать когда танго выполняется в трех, одна партнерша и два партнера или наоборот, это свидетельствует о борьбе между собой, как иногда случается и в жизни. Но иногда аргентинское танго бывает и спокойным, характер исполнения этого танца на прямую зависит от музыкального сопровождения. Аргентинское танго - может выполняться только под соответствующее музыкальное сопровождение, и в этом его особенность, услышав лишь первые аккорды музыкального звучания, мы уже можем сразу понять, что сейчас будет выполняться аргентинское танго.

ПРИ ВХОДЕ В КАФЕ ВСТРЕЧАЮ ИХ И РАССКАЗЫАЮ ПРО ПЬЕЦОЛО ЧЕМ ЗНАМЕНИТО РАССКАЗЫВАЮ ПРО АРГЕНТИНСКОЕ ТАНГО КАК ПОЧЕМУ БУЭЙНОЙОСОСРЙО СТОЛИЦА ТАНГО? И ПРО МЕСТО ТАНГО В КЛУЬТРЕ АРГЕНТИНЫ КАФЕ НАЗЫВАЕТСЯ АСТОР ПЬЕЦОЛО КАКИМИ СУДББАМИ ВЫ ЗАНИМАТЕСЬ ТАНЦВМИ? ПРИ ВХОДЕ В КАФЕ СЕГОДНЯ ВЕЧЕР ТАНГО ПОДСАЖИВАЮ ЗА СТОЛИКОМ ОН ПЛЯШЕТ ПЕРЕД ВСЕМИ А ПТ У НАС ГЛАВНОЕ ТАНГО КАФЕ Я ОФИЦИАНТКА ОЛА АМИГОС ДОБРО ПОЛОЖАТЬ В АРГЕНТИНСКОЕ САЖАЮТ ИХ ЗА СТОЛИКИ

НАШЕ КАФЕ ЗАНМЕНТНОЕ ВЗЯТЬ РЕАЛЬНО КАФЕ АРГЕНТИНА ЭТО СТОЛИЦА МУЗЫКИ МЕССИ ФУТБОЛ ПОРТ РАССКАЗАТЬ ПРО АСТОР ПЬЕЦОЛО ТАНГО КОФЕЙКУ ВСЕМ ОБОЖАЕМ ТАНГО СТРАТЬ И ВСЕ ДЕЛА ТУТ ИГРАЕТ МУЗЫКА РОДИОН КО МНЕ ПОДХОДИТ И ГОВОРИТ СЕНЬОРИТА ПОЗВОЛЬТЕ ПРИГЛАСИТЬ ВАС МЫ ТАНЦУЕМ ТАНЕЦ ЭТИХ КО МНЕ ЗА СТОЛИК ДОРОГИЕ ГОСТИ ЭТОТ РОДИОНОИН ХОТЕЛ БЫ ВИДЕТЬ ВАС ЗА СОЛИКОМ РОДИОН ГОВОРИТ ЧТО Я ВАМ СЕЙЧАС ВСЕ РАССКАЖУ ОН МОРЯК ВСЕХ УГОЩАЮ НА СТЕНКЕ РАЗНЫЕ ТАНГО ДВИЖЕНИЯ

Информация: Зарождение аргентинского танго началось значительно раньше чем других стилей и видов хореографии. Благодаря названии мы прекрасно понимаем, что произошло это именно в Аргентине. если быть точными, то впервые начали танцевать аргентинское танго в Буэнос-Айресе, здесь оно и приняло новый статус, не только как народного танца, но и как социального. Если верить местным жителям, то по их рассказам, аргентинское танго не совсем аргентинский танец, в нем перемешалось несколько народностей. За счет того, что Буэнос-Айрес - это портовый место, то соответственно и приезжих в этом месте было также достаточно, в основном - это были работники из разных уголков мира, в день работали в порту а вечером выходили на улицы и танцевали танго, поэтому его и начали впоследствии называть социальным танцем, потому что оно объединяло между собой народы, аргентинского назвали потому, что это происходило в Аргентине, поэтому в том насколько танго является национальным танцем Аргентины происходят противоречия и по сегодняшний день. Следующим зародышем популяризму этой хореографии стал Париж, это произошло в середине 20 столитття.

Каким образом танго попало в Европу? В то годы Аргентина довольно неплохо развивалась, поэтому в состоятельных родителей была возможность отдавать своих детей на учебу в Европу, чаще всего их выбором была Франция, Париж. Вот таким образом приезжая на учебу в Париж, студенты после учебы знакомили парижан с искусством и техникой аргентинского танго, и им этот танец очень полюбился, так танго можно было довольно часто встретить в улочках вечернего Парижа, а со временем приобретя большую популярность, стало даже невозможным отличить кто его выполняет чистокровный 2аргентинец или француз, настолько парижане стали фанатично изучать эту хореографии.

Классическое танго относится к бальной программы, которую часто представляют танцоры на соревнованиях, аргентинское же танго - это упрощенная версия классического танго, но это не значит, что оно совершенно уже не интересно в своей технике, просто оно более приспособлена для выполнения всем желающим, непрофессионалами а любителями .

Ирландия

Ирландские танцы

История создания История традиционного ирландского танца исчисляется со времени возникновения кельтских народов - галлов, которые основали собственное государство уже в 5 веке до н.э. Эти народы были распространены по всей Западной Европе, а к третьему столетию нашей эры галлы добрались и до Ирландии. Самый старинный известный вид, связанный с ирландским танцем, - это Sean-Nos кельтов, живших на Британских островах с 2000 года до н.э. В двенадцатом веке под влиянием культуры норманнских завоевателей в Ирландии стали танцевать хоровод вокруг человека, поющего песню. В 16-ом веке танцы стали исполнять во дворцах. А два века спустя в Ирландии появились странствующие учителя танцев - основоположники двух популярных сегодня видов: группового и сольного. Из-за угнетения культуры Ирландии, начавшегося в 18-ом веке, национальные танцы долгое время исполнялись только тайно. Народные танцы резко осуждались христианской церковью как "безумные" и "приносящие несчастья". Некоторые историки даже считают, что характерное неподвижное положение рук на поясе появилось в ирландском танце как раз после того, как церковь объявила движения рук в ирландских танцах непристойными. На протяжении нескольких лет бродячие учители ходили о деревни к деревне и обучали людей ирландским танцам. Это положило начало образованию Ирландской школе танцев. Современный период в ирландских танцах начинается с конца 19-го века в связи с созданием Гэльской Лиги. Она поставила перед собой цель: сохранение и развитие ирландского языка и культуры, музыки и танцев. В 1929 г. была основана Комиссия Ирландских Танцев для установления единых правил исполнения танцев. В результате значительно изменилась техника танца. Теперь танцорам можно было не ограничивать себя в пространстве, появилось больше различных движений, прыжков.

Особенности танца Обувь В ирландских танцах используются в основном два вида обуви- soft shoes и hard shoes. Основным их различием является то, что вторые имеют специальные «набойки» на носках и на каблуке. Именно благодаря им они могут танцевать степ. (показываем видео, у меня есть) Виды Сольные. Как понятно из названия, исполняются в одиночку. Их отличает полная неподвижность верхней части туловища, рук, головы. Групповые (Кейли). В них задействованы от 4 участников и больше. Основное условие – группа танцоров должна состоять из четного количества. Кейли характеризуются синхронностью движений танцоров, их четким взаимодействием при перестроениях. Хореография также предусматривает движения руками. На данный момент насчитывается более 30 разновидностей кейли. Фигурные. К этой группе относятся постановочные танцы с участием 2 и более танцоров. Хореография включает как традиционно ирландские, так и современные элементы. Народные (социальные). Собственно, именно танцы этой группы и являются прародителями современного ирландского танца во всех его проявлениях и многообразии. Их танцуют соло («шан-нос»), в паре или группами («сеты»). Элементы танца более простые в сравнении с другими разновидностями ирландской хореографии, но это отнюдь не делает их менее зрелищными и экспрессивными. Катя Основные движения (сама показываю движения) Положение корпуса во время танца строго фиксировано. Спина держится прямо, голова слегка приподнята, подбородок ни в коем случае нельзя опускать. Кроме того, в ирландском танце не принято наклоняться вперед всем корпусом. Если этого требует композиция танца можно лишь наклонить голову вперед, корпуса остается прямым. Также в ирландском танце вы не увидите энергичных движений плечами и бедрами – эти части тела остаются неподвижными. Основное положение ног-крест. Как правило, ирландские танцы исполняются на мысках. Положение рук в ирландском танце также строго фиксировано. Первым делом нужно научиться держать плечи опущенными вниз. Поначалу, это может доставить некоторые сложности, плечи могут даже болеть. Но в процессе занятий и тренировок мышцы будут развиваться, а ваши физические возможности – повышаться. Как правило, руки расположены по сторонам и легко сжаты в кулаки. Если на одежде есть швы по бокам, то положение рук можно легко проверять по ним – руки должны находиться чуть дальше бокового шва.

Описание мира: Мы в Ирландском пабе, который уже закрывается, дети-наши последние посетители на сегодня. Когда они приходят, я и Вика, как главные танцовщицы, решаем им исполнить традиционный ирландский танец. После показа мы спрашиваем, кто они такие, узнаём, что это ребята из танцевальных школ и говорим, что можем рассказать про культуру нашего танца. Отряд делится на две группы. Одна идёт к Максиму Александровичу, который разливает детям квас (эль) и рассказывает им историю ирландского танца. Другая идёт ко мне и к Вике. Мы рассказываем детям про разные виды этого танца, основные позиции и движения. Затем дети меняются.

Испания

Мир: Дети попадают на центральную площадь. На площади расположен центральный рынок, две лавки. В самом начале мы смотрим фламенко от танцовщицы буквально на 1–2 минуты. Далее мы знакомимся с тремя персонажами на площади: танцовщица фламенко, торговец сувенирами (кастаньеты, постеры с подписями танцоров фламенко, гитара, вееры, керамика? национальная сладость (туррон?)) и торговец одеждой (шали, обувь с каблуками, платье цыганского типа в горошек, темные брюки (с широким поясом если есть), белая рубашка, короткая жилетка). Торговцы зазывают детей к себе, но танцовщица предлагает им послушать ее тоже. В итоге дети делятся и слушают всех по очереди. У нас мир 10 минут. Отряд на три группы и, думаю, чтобы каждого две группы успели послушать

Танцовщица Информация о фламенко: Фламенко появилось вместе с приходом в Испанию цыган из Римской империи в 1465 году. Несколько десятилетий они мирно жили рядом с испанцами, арабами, евреями, рабами африканского происхождения, и со временем в караванах цыган стала звучать новая музыка, вобравшая в себя элементы культур новых соседей. В 1495 году после долгой войны мусульмане, многолетние правители большинства территорий полуострова, были вынуждены покинуть Испанию. С этого момента начались гонения на «неугодных», а именно неиспанцев. Все, кто придерживался другой религии и культуры, должны были отказаться от самобытных привычек, собственных имен, костюмов и языка. Именно тогда и зародился загадочный фламенко, вид искусства, скрытый от посторонних глаз. Лишь в 18 веке, после прекращения гонения на цыган, фламенко получил свободу и мгновенно завоевал популярность. Двадцатый век внес свою лепту в окончательное формирование испанского танца кубинскими традициями с джазовыми нотками.

Считается, что влияние Андалусии во фламенко выражается в изысканности, достоинстве и свежести звучания. Цыганские мотивы – в страсти и искренности. А карибские мигранты привнесли в новое искусство необычный танцевальный ритм. Существует два основных стиля фламенко, внутри которых выделяются подстили. Первый – хондо, или фламенко гранде. В него входят такие подстили, или по-испански палос, как тонá, солеа, саэта и сигирийя. Это старейший вид фламенко, в котором слушатель может выделить грустные, страстные ноты. Второй стиль – канте, или фламенко чико. К нему относятся алегрия, фаррука и болерия. Это очень легкие, жизнерадостные и веселые мотивы в игре на испанской гитаре, в танце и пении. + танцовщица предлагает своей группе выучить небольшой кусочек фламенко (супер маленький, буквально пару связок, надо же, чтобы все всех послушали)

Продавец сувениров Кастаньеты– это ударный музыкальный инструмент, создающий невероятно красивый и четкий ритмический рисунок. Кастаньеты получили широкое распространение во многих странах мира: Португалии, Италии, Аргентине, но только в Испании они считаются культурным и национальным достоянием, так как являются непременным атрибутом испанского танца фламенко. И именно исполнители из этой страны владеют кастаньетами в безупречном совершенстве, завораживая зрителей, вызывая восторг и восхищение. Кастаньеты своей формой напоминают ракушки, соединенные между собой шнурком. Левой рукой танцор или певец отбивает основной ритм произведения, а правой – создает замысловатые ритмические рисунки. На самом деле, играть на кастаньетах не просто, необходимо долго учиться. Интересно, что кастаньеты являются самым популярным сувениром, который туристы привозят с собой из солнечной Испании Гитары Фламенко на первый взгляд не имеют отличия от обычных классических гитар. Но все-таки отличия эти существуют. Давайте рассмотрим их более подробно. Боковые стенки самого корпуса и задняя дека гитары Фламенко в большинстве случаев производятся из кипариса, а не палисандра, как это привычно для обычных классических гитар. Это позволяет достичь более яркого звучания инструмента. К тому же более легковесное дерево лучше балансирует гитару. Это значительно облегчает игру при традиционной посадке музыканта. Порожки на испанской гитаре Фламенко сделаны ниже, чем обычно. Это придает звуку остроты и яркости. К тому же такое низкое расположение струн значительно облегчает игру левой руки и дает возможность извлекать характерный перкуссионный звук (когда струны ударяются о лады). (можно про сладость туррон) Нужно: найти постеры известных танцоров фламенко, поставить подпись и просто знать их имена Найти кастаньеты, гитара, вееры, керамика? национальная сладость (туррон?)) +показывает видео игры на гитаре, кастаньетах профессионалов, разные выступления

Продавец танцевальной одежды (Саша Б) Традиционное платье для фламенко на испанском языке называется bata de cola, стиль и форма которого напоминают обычные платья цыганок: длинная широкая юбка, воланы и оборки по подолу платья и на рукавах. Обычно наряды шьют из белой, черной и красной ткани, чаще всего в горошек. Сверху на платье танцовщицы накидывают шаль с длинными кистями. Иногда ее завязывают вокруг талии, чтобы подчеркнуть грациозность и стройность артистки. Волосы зачесываются назад и украшаются либо яркой заколкой, либо цветами. Мужской костюм танцора – это темные брюки с широким поясом и белая рубашка. Иногда концы рубашки завязывают спереди на поясе, а на шею повязывают красный платок. Изначально платья фламенко (traje de flamenco) носили только женщины из низшего класса — это крестьянки и цыганки, отсюда и произходит второе название платья — «цыганское» (traje de gitana). Народ вел кочевой образ жизни, женщины сопровождали своих мужей на скотские рынки и различные сельские ярмарки, где так же работали и помогали своим мужчинам. Поэтому первоисточником были обычные платья с несколькими небольшими воланами, дополненные передником (чтобы защитить платье от грязной работы). Платье подчеркивало фигуру, делало ее очень женственной и платье стало идеалом женской фигуры. Но понемногу он завоёвывал и высшие слои населения. Платье облагородились за счет тканей и фурнитуры и его начали носить все. +после рассказа разбираем одежду, ищем мужские и женские атрибуты, фильтруем.

Новая Зеландия

Мир: Дети приходят на трансляцию матча по регби за несколько минут до начала. Там стоят ведущие/комментаторы, которые пока мы ждем начало матча начинают рассказывать нам о танце Хака. Дальше начинается трансляция матча и мы смотрим на танец, который танцуют игроки на удачу. А после танец танцуют орги, ведь они невероятные болельщики.

После мы предлагаем детям рассказать информацию о танце и делимся на три группы Танец оргов Кричим: Ka mate, ka mate! ka ora! ka ora! Whiti te ra! Это смерть, это смерть! Это жизнь! Это жизнь! Солнце светит! Движения супер простые под эту фразу, поэтому я думаю, что мы просим детей поддержать нас и выучить с нами танец и фразу

Информация:
(История): Для начала рассказ о маори. Но не о тех, что населяют «Землю длинного белого облака» сегодня, а об их воинственных предках. По преданиям тысячелетие назад к берегам Новой Зеландии пристали семь каноэ, на борту которых были переселенцы из Восточной Полинезии. Именно они и стали первыми обитателями острова — семь племён маори, благодаря которым и начала формироваться уникальная культура, основанная на духовной близости аборигенов с окружающим миром. Но, несмотря на философию единения с природой, маори были весьма искусными бойцами, а их мастерство оттачивалось в постоянных войнах. Первыми из европейцев дикий враждебный нрав аборигенов испытали на себе великие путешественники: Абель Тасман, а впоследствии и Джеймс Кук. Кровопролитные междоусобицы маори давно канули в лету, но один из военных обычаев не забыт и играет весьма важную роль в современной культуре Новой Зеландии. Капа хака — это целый ритуал, включающий в себя танцы, пение, своеобразную мимику. Впервые хаку стали исполнять маори-воины сотни лет назад: перед каждым боем они с помощью устрашающих телодвижений и криков, вытаращенных глаз и высунутых языков своей яростной экспрессией пытались запугать врага. Позже хаку стали использовать и в мирных целях, рассказывая посредством неё о маорийских традициях и верованиях. Сегодня хака является непременным атрибутом общественных и государственных мероприятий. В Новой Зеландии много различных версий традиционного танца, есть даже армейское исполнение. Несмотря на то, что любая разновидность хаки в Новой Зеландии уважаема и почитаема, популярным на весь мир обрядовое пение в сопровождении замысловатых движений стало именно благодаря национальной команде по регби. фотки древнего танца

(Регби): Официально сборная Новой Зеландии по регби появилась в 1892 году. А в 1905 году одна газета, после разгрома новозеландцами английского клуба, прозвала команду All Blacks, что можно перевести, как «абсолютно черные». Так, благодаря своей тёмной форме и газетчикам, сборная страны длинного белого облака — обрела звучное прозвище, ставшее вместе с хакой, которую игроки исполняют перед каждым матчем, их визитной карточкой. Около столетия с момента основания команды сборная Новой Зеландии была лучшей в мире, обыгрывая всех и вся. Но к началу двадцать первого века потомки маори несколько сбавили темпы: последние годы трофеи ускользают от All Blacks с завидной регулярностью. Может, всё дело в том, что противники привыкли к хаке и больше не боятся? Ответ скорее отрицательный, ведь нынешнее исполнение танца — это скорей средство для новозеландцев мысленно собраться и настроиться, забыв обо всём, что не касается игры, чем средство для устрашения врагов. Изначально All Blacks исполняли хаку «Ка мате», точнее её часть, повествующую о чудесном спасении воина от врагов, случившееся благодаря Солнцу. легенда о спасении: Сначала маори, смирившись с горькой участью, готовится достойно встретить свою погибель, но через мгновение радостно осознаёт, что выживет и выкрикивает благодарность богу Солнца. В дополнение к этой, придуманной сотни лет назад вождем Рау Парахи, All Blacks приняли новую Kapa o-Pango («совершенно чёрные» в переводе), созданную специально под них, для сборной Новой Зеландии по регби. В ней говорится не о былых подвигах маори, а о современных: о желании спортсменов одерживать победы, защищая честь страны. О том, что новозеландцы собираются делать с противником, красноречиво говорит один из жестов новой хаки: движение ладони, перерезающее горло. Предматчевое исполнение хаки игроками Новой Зеландии стало неотъемлемой частью мирового регби. Воинственные танцы стали достоянием мировой спортивной культуры. Некоторые сборные, такие как Фиджи или Самоа, исполняют в ответ All Blacks свои танцы. И кто знает, может в будущем модное сегодня направление станет непременным атрибутом любых спортивных соревнований. Во всяком случае потомки маори этому всячески содействуют, участвуя в рекламных компаниях и популяризуя регби.

(Виды): Сами маори считают ритуальный танец хака своим национальным видом искусства. Хака – не просто танцевальные движения, эти движения включают в себя определенную пластику всего тела и даже глаз танцора. Хака исполняется под старинные напевы, рисунок танца представляет собой хлопки руками по телу и бедрам, а также топот ногами под яростные выкрики исполняющих его людей. В хаке помимо рук, ног и головы задействуются язык и глазные яблоки. У каждого элемента тела в этом танце отдельная партия. Маори использовали хаку перед схваткой с врагом. Они исполняли танец и в обычной жизни. Танцевальная разновидность никогда не была в среде маори чисто мужской прерогативой. Хака могла быть женской, смешанной, а также детской.

Нью-Йорк

Краткое описание этапа:
Целью денного этапа является узнать о известных личностях повлиявших на современное восприятие танцев. Отряды приезжают в Нью-Йорк на музыкальный Бродвей "Чикаго", помимо них, в город приехали знаменитые танцоры и хореографы, с которыми можно пообщаться про их жизнь, танцы, искусство в целом. Этап проходит в формате ран-викторины, где дети ходят в свободном режиме. Зарание подготовить:
1. 8 комнат
2. 3 больших помнещения (например холл)
3. Фото и видео материалы
4. Современные платья и костюмы Информация для персонажей '
Знаменитости приехавшие в Нью-Йорк:

• Плисецкая Майя Михайловна
• Иветт Шовире
• Джиллиан Линн
• Жозефина Бейкер
• Марта Грэм
• Анна Павлова
• Нуриев
• Мерс Каннингем
• Боб Фосс
• Пина Бауш
• Джинджер Роджерс + Фред Астер
• Айседора Дункан

Плисецкая Майя Михайловна Майя Плисецкая была солисткой Большого театра. С гастролями и концертами она объездила почти весь мир: выступала с номерами из балетов, участвовала в постановках зарубежных хореографов и сама ставила спектакли. «Умирающий лебедь» из «Лебединого озера», Китри из «Дон Кихота», Кармен из «Кармен-сюиты» — эти и многие другие роли Майи Плисецкой вошли в историю мирового искусства. На выпускном экзамене в училище она на «отлично» исполнила роль Повелительницы дриад из балета «Дон Кихот». И вскоре ее приняли в труппу Большого театра. Первое время девушке не давали главных ролей: она была артисткой кордебалета и получала минимальную зарплату. Успех пришел к Плисецкой, когда она сыграла в балете «Шопениана». Вскоре балерине стали давать сольные роли. Она исполнила партию Китри в «Дон Кихоте», которая стала одной из самых известных в репертуаре балерины. На этой премьере присутствовал Рудольф Нуриев. Спустя годы он вспоминал: «Я не плакал, я рыдал. Рыдал от счастья. Вы устроили пожар на сцене». Майя: Я за две репетиции с лёта выучила прыжковую мазурку в «Шопениане» и станцевала ее с громовым успехом. <…> Я намеренно старалась в пике каждого прыжка на мгновение задержаться в воздухе, что вызывало у аудитории энтузиазм. Каждый прыжок сопровождался крещендо аплодисментов. Я и сама не предполагала, что этот маленький трюк придется так по душе зрительному залу. Успех был взаправду большой. На следующие «Шопенианы» кое-кто из балетоманов уже шел «на Плисецкую». Она часто гастролировала по СССР и за рубежом. В 1958 году, когда большая часть труппы Большого театра уехала в Лондон, Майя Плисецкая осталась в Москве и решила поставить «Лебединое озеро». В этом спектакле она впервые была балетмейстером и хореографом одновременно. Все билеты на премьеру раскупили: «Что было в конце актов и после последнего закрытия занавеса — описать невозможно. Шквал. Шторм. Извержение Везувия»,

Иветт Шовире Легендарная французская балерина – несравненной «этуаль» (высший статус артистов балета парижской Оперы ) и многолетняя приме Парижской оперы Иветт Шовире… Она начала свою танцевальную карьеру в 1933 году и первую большую известность получила в постановках знаменитой звезды дягилевских сезонов Сержа Лифаря, возглавившего к тому времени балетную труппу «Гранд-Опера». Почувствовав новую пластику, предлагаемую Лифарем, Иветт Шовире заняла место примадонны в его спектаклях. Впоследствии о ней скажут, как о балерине, “сотворенной Лифарем”. В 1941 году она достигла высшего звания французского балета, став одной из самых заметных «этуаль» послевоенной эпохи. В своей книге балетный критик Вадим Гаевский пишет: «Как художник, как личность, Иветт Шовире – явление французского театра 40-50-х годов. Она преобразила традиционный исполнительский стиль. Блеск виртуозности она дополнила драматической патетикой жеста. Она внесла в балет интеллектуальную проблематику середины века. И она же вернула балету переживание, придав постановкам Сержа Лифаря сладость и горечь французской мелодрамы». Главной партией и сценическим талисманом в карьере великой балерины стала роль Жизель, где ее Альбертами в разное время были выдающиеся танцовщики балета – Эрик Брун, Мишель Рено, Юрий Алгаров, Рудольф Нуриев, Марис Лиепа. Балет Лифаря "Истар". В декорациях и костюмах Льва Бакста ожила древняя легенда об ассирийской богине, освобождающей из ада своего возлюбленного Сына Жизни. Раскрывая одну за другой семь дверей, она отдает каждому стражнику свое украшение или одежду.

Джиллиан Линн Джиллиан Линн получила классическое балетное образование. В возрасте семнадцати лет она обратила на себя внимание Нинетт де Валуа (хореографа). В прошлом одна из солисток дягилевских Русских Сезонов (1923-1926), Нинетт де Валуа сыграла ключевую роль в становлении классического танца в Великобритании — именно на основе балетной труппы театра Сэдлерс Уэллз, созданной ею, был сформирован Лондонский Королевский балет. Довольно скоро Джиллиан стала исполнять в постановках Сэдлерс Уэллз ведущие партии — Фея Сирени («Спящая красавица»), повелительница виллис Мирта («Жизель»), Черная королева («Шах и мат») и др. Джиллиан работала в Королевском балете, когда танцовщик и хореограф Роберт Хелпман пригласил ее перейти в Лондонский Палладиум. Джиллиан согласилась. В это время Джиллиан начала брать уроки вокала и сценической речи, так как одних лишь навыков в области классического балета для ее нового репертуара оказалось недостаточно; танцовщица превратилась в актрису синтетического жанра. Кроме того, Линн не боялась эксперементировать и в хореографии, органично сочетая в своем творчестве самые различные танцевальные направления. В 60-е годы Джиллиан Линн увлеклась джазовым танцем; сплав джазовых мотивов с её 12 классическими приемами и превратился впоследствии в ее визитную карточку. Результатом экспериментов Линн в этом направлении стало танцевальное шоу «Коллажи». Вершиной успеха Джиллиан Линн на этом этапе стала постановка танцев в мюзикле Эндрю Ллойд-Уэббера «Кошки» (CATS). Линн работала над постановкой классического мюзикла Роджерса и Хаммерстайна «Оклахома!» (Oklahoma!).

Жозефина Бейкер 1970-е, по сцене лондонского «Палладиума» в тюрбане из страусиных перьев ураганом носится грациозная темнокожая женщина, излучая энергию, купаясь в аплодисментах. Вдруг, остановившись посреди представления, она произносит в зал: «О, мадам, вы смущаете меня. Да, да, вы, с этим маленьким биноклем. Пожалуйста, не смотрите в него. Не лишайтесь ваших иллюзий».Она начала выступать еще в школе, поражая своей гибкостью. «Сначала я танцевала, чтобы согреться, а после этого поняла, что рождена для танца”. Выучив все стили своего времени, она попала в шоу и стала ездить по стране. Талант отличает новаторство и в её номерах были заметны элементы хастла, степа, хип-хопа, брейка, которые появятся только годы спустя. Сверхмодный чарльстон публика Парижа впервые увидела тоже в ее исполнении. Счастливый билет выпал, когда девушка попала в труппу на Бродвее. Жозефин была «завершающей представление » (end-girl) в одном из мюзиклов — сложная роль в которой она пародировала коллег и ходила по сцене колесом. Акробатика была ее коньком. На одном из гастролей её заметил францзуский театр и принял к себе. В парижском театре «Фоли Бержер» она произвела фурор, когда выскочила из-за кулис, прикрытая только юбочкой из бананов. Из-за обнаженных танцев Жозефине Бейкер было запрещено выступать во многих столицах, что лишь увеличивало интерес публики. Знаменитые художники создавали ей безумные костюмы из перьев и блесток. Иногда платья кроились из полотна, расписанного модными кубистами. В 1926 году Эрнест Хемингуэй весь вечер танцевал с Жозефин: «Было знойно, но она куталась в манто и ни разу его не сняла. Только когда клуб закрылся и мы вышли, Жозефин призналась мне, что под мехами у нее не было никакой одежды». Комедийное дарование, голос и экзотические танцы, все это открыло Жозефине дорогу в кино. И она снова совершила прорыв, став первой афро-американкой на главных ролях.

Марта Грэм Марта Грэм родилась в 1894 году. Многие историки сравнивают её вклад в искусство 20 века, с тем, что сделали для него Пикассо, Нижинский или Стравинский. Марта - жгучая брюнетка с ярко накрашенными губами и густо подведенными глазами. Проходных работа у неё, что кажется невозможным, ведь на её счету сотни работ. В танец Марта пришла довольно поздно - в 20 лет, возраст, когда карьера классической балерины набирает обороты, но классика её не привлекала, она считала её миром полным запретов и условностей, ей был интересный более свободный и настоящий танец. Когда ей было 17 лет она увидела выступление дивы нового танца - Рут Сен-Дени, но только спустя 5 лет поступила в её школу, где абсолютно не имела успеха. Довольно пухлая, небольшого роста, к тому же брюнетка, это не было похоже на идеал того времени, так еще и без опыта в хореографии. Она сбросила вес, но все же оставалась слишком массивной для утонченных движений. Педагоги ждали от неё лиричности, которую она не смогла дать. Зато муж Сен-Дени Тед Шоун увидел некую харизму, энергию и искру в этой чарующей брюнетке, что ему так не хватало, как хореографу. Он придумывает для нее танец - Xochitl, где позволяет ей продемонстрировать свою экзотическую личность и свирепость пантеры. - «Когда я начинала в Денишоун, я преподавала танец детям. Меня не воспринимали всерьез, как танцовщицу, так как я не была красива: идеалы школы на тот момент подразумевали кудрявых блондинок. В 22 года меня готовили к профессии педагога, но никому не приходило в голову, что я могу выступать на сцене. Но я была фотогенична, поэтому моя фотография фигурировала на всех буклетах школы. Мы жили все вместе в доме Денишоун и поскольку мне нельзя было танцевать, то я делала это секретно. По ночам, я спускалась в студию мисс Рут. Было около 2 часов ночи, в доме уже было тихо и темно. Я творила свои собственные движения, странные и прекрасные. До самого рассвета я работала в полной темноте. Но я знала: когда момент прийдет, я буду готова» Марта Грэм полностью отдала себя танцу модерн, который был созвучен и ее взглядам. С детства Марта слышала рассуждения отца, который был профессиональным психотерапевтом, мысли о том, что движения могут передавать внутреннее, эмоциональное состояние человека. Именно эта идея привела ее к созданию собственной техники. В разрез стереотипным представлениям о танце, когда женщина должна было воплощать только плавные линии, она стремилась дать женщине право выражать сильные чувства при помощи резких, рваных движений. Танцовщица и хореограф Марта Грэм сделала чувство главной идеей танца, и это стало ее основной заслугой. «Движение никогда не лжет, тело передает температуру души» – Марта Грэм. Она создала свою собственную труппу, которая первое время состояла только из женщин, в танце она размышляла о роли женщины в социуме, в жизни мужчины и в судьбе своей страны. Постановка “Еретичка” рассказывает о борьбе женщин с толерантностью и закрытостью масс. Но одной из её самых популярных работ является плач, который побудил многих людей на создание своего прочтения образа танцовщицы. В этом танце сама Грэм, которая пытается вылезти из своей кожи, из роли женщины, навязанной обществом. Она почти не танцует, а двигается, сидя на скамейке, но взгляд оторвать невозможно. За свою творческую жизнь Марта Грэм создала собственную труппу, сочинила 180 спектаклей, которые отличало не только потрясающая, волнующая хореография, но и продуманность мелочей – она выбирала костюмы, музыку, принимала пространственные решения, участвовала в создании декораций.

Анна Павлова Современники говорили, что, глядя на нее, они видели не танцы, а воплощение своей мечты о танцах. А для нее самой танец был всем – и реальностью, и мечтой, и жизнью, и тем, что ждет за пределами жизни. Анна Павлова родилась 31 января (12 февраля) 1881 года В пятилетнем возрасте Павлова увидела в Мариинском театре балет «Спящая красавица», который и решил ее судьбу. В 1891 году поступила на балетное отделение Петербургского театрального училища. Она участвовала в балете, поставленном Мариусом Петипа для молодых студентов - “Сказка”. Анне Павлове было трудно, она была не как все, изгиб ступни, чересчур тонкие щиколотки, длинные руки и ноги - всё это совсем не совпадало со стандартами красоты того времени. Её постоянно дразнили. Талант пробил себе дорогу - она стала любимицей Мариуса Петипа, её способности и амбиции заслужили ей репутацию. Она постоянно изучала новую технику. Она быстро продвигалась по профессиональной лестнице и вскоре стала прима-балериной. Зрители во всем мире обожали её за трогательность, хрупкость и страсть. Михаил Фокин создал для неё самую известную её роль - умирающего лебедя, в ней не было трудных технический пируэтов, в неё были движения, которые сравнивали с ниткой жемчуга и элегантных взмахов руками, заканчивающийся смертью лебедя. Анне предложили работу в Париже, но она не хотела соглашаться со всеми условиями, вскоре переехала в Лондон и создала свою танцевальную труппу, никакая танцова не путешествовала столько, сколько она. Она привезла балет в те части мира, которые даже не знали что это такое. В честь неё назван воздушный десерт - “Павлова”. В 1926 году Анна Павлова — к тому времени уже легендарная балерина — побывала с гастролями в Австралии и Новой Зеландии. Именно тогда началась история десерта, который назвали в ее честь.

По новозеландской версии, пирожное на основе безе с фруктами придумал в том же 1926 году повар одного из отелей Веллингтона — столицы государства. Считается, что его вдохновили воздушные наряды балерины и он решил воплотить это впечатление в нежном, воздушном десерте. В Австралии же считают, что торт «Павлова» появился гораздо позже, в 1935 году. По этой версии, его приготовил повар отеля «Esplanade» Берт Саше. Когда десерт подали к столу, Саше воскликнул: «Он такой же воздушный, как балерина Павлова!»

Нуриев Рудольф Хаметович Нуриев – блистательный артист балета, внесший неоценимый вклад в мировую культуру. Его виртуозные выступления – темперамент, особая пластика, эротизм, экспрессия, динамика, неистовый прыжок – сводили с ума поклонников и становились знаковыми событиями в истории искусства. Рудольф рос серьезным, чувствительным ребенком, любил слушать с сестрами по радио музыку, сидеть на пригорке возле железной дороги и смотреть на стремительно проносящиеся поезда. В 5 лет в жизни мальчика произошло знаковое событие, предопределившее его судьбу. Мама сводила его с сестрами в Уфимский оперный театр на балет «Журавлиная песнь». Увиденное стало для ребенка настоящим потрясением. Он пришел в восторг от атмосферы праздника, красивых хрустальных люстр, сверкавших при свете ламп, золотистого занавеса, представших в ярких нарядах артистов. С этого момента у него появилась мечта – танцевать. Рудольф начал посещать занятия в ансамбле, с удовольствием осваивать азы хореографического искусства, участвовать в концертах. Все соседи и знакомые наперебой его хвалили. Отец мальчика не разделял его увлечений, а сверстники его дразнили. Но вопреки воле отца и издевкам сверстников он продолжал заниматься балетом. Когда мальчику исполнилось 11 лет, его педагогом стала бывшая участница знаменитой труппы Дягилева, Анна Удальцова, обратившая внимание на способности и поразительную целеустремленность молчаливого бедно одетого парнишки. В 15 лет он уже с успехом выступал на сцене уфимской оперы, а в 17 – отправился в город на Неве, чтобы поступить в хореографическое училище и развивать свой талант. Его приняли, несмотря на не совсем подходящий возраст, заверив, что его ждет либо блестящее будущее, либо большое разочарование. В 1958 Рудольф Нуриев окончил обучение и начал работать в одном из ведущих балетных коллективов страны – театре им. Кирова (ныне Мариинский). Его приглашали и на сцену Большого, но он отказался покидать Северную столицу. Дебютировал талантливый выпускник в балете «Лауренсия» в партии отважного Фрондосо. За последующие три года он исполнил 14 партий в спектаклях «Баядерка», «Дон Кихот», «Лебединое озеро», «Спящая красавица» и пр., завоевав сердца многочисленных поклонников высоким мастерством – мягким прыжком ночного хищника, стремительным вращением, драматической игрой, емкостью танца, оригинальным прочтением каждой партии. В 1959, несмотря на независимый характер, Нуриева взяли на гастроли в Вену – австрийцы настояли на его прибытии в составе труппы. Спустя два года очередной выезд за границу стал поворотным в судьбе танцовщика. Кировский балет тогда приехал на гастроли в Париж, после чего должен был отправиться в Лондон и из Парижа, после он должен был вернуться к себе на родину в СССР, но в связи с некоторыми обстоятельств вами, этого не смогла произойти, и Нуриев остался жить в Европе. В его жизнь вошла Марго Фонтейн. Прославленная английская прима-балерина позвонила Нуриеву и пригласила станцевать на ее бенефисе в Лондоне. Вскоре руководство Королевского театра в Ковент-Гардене предложило им танцевать «Жизель» вместе. Вначале 42-летняя звезда опасалась, что будет выглядеть смешно рядом с 24-летним молодым человеком, но все же согласилась. Выступление имело грандиозный успех – их вызывали на поклоны 23 раза в течение 45 минут. А после того, как Марго вручила партнеру розу из своего букета, а он упал на одно колено, осыпая поцелуями ее руку, публика и вовсе обезумела от невероятных художественных впечатлений. В 1962 Рудольф подписал контракт с Королевским театром и вплоть до 1970 года солировал вместе с Фонтейн на всех известных площадках мира, привнеся в выступления чувственный пыл, экспрессию, поражая динамикой, яркостью, сексуальностью, значимостью на сцене – когда он выходил, других танцоров уже не видели. Его притягательность многим казалась просто магической. Чтобы попасть на спектакль с их участием в США, люди по трое суток дежурили у касс «Метрополитен-Опера». За всю свою жизнь он успел многое, даже сняться в кино, где его талант танцора тоже проявлялся. В 1992 на премьере балета «Баядерка», поставленном им же в Парижской опере, Нуриеву была вручена высшая награда страны – орден Почетного легиона. Церемония стала прощанием великого артиста со сценой и с жизнью, что для него было одним и тем же.

Мерс Каннингем Мерс Каннингем — легендарный нью-йоркский хореограф, новатор, во многом определивший эстетику современного танца. Он прошел путь от рядового танцовщика до руководителя собственной труппы и изобретателя новой техники движения. «Танец — это физическая форма духовного упражнения», — сказал однажды Мерс Каннингем. И действительно, в его исполнении танцевальное искусство зачастую воплощалось в особенно возвышенных формах. Более 60 лет Каннингем творил в авангарде танца модерн и современной хореографии, разрабатывал новые техники и сотрудничал с самыми значительными и выдающимися мастерами, обеспечив себе вечную славу. Каннингем изменил танец и его восприятие так же, как Пикассо и кубисты изменили живопись и её восприятие. Он разобрал танец на составные части, а затем собрал заново, оставив только самое необходимое. Каннингем стал первопроходцем в сфере объективного танца, танца, культивирующего чистую пластику – движение ради движения. Его считают одним из лидеров авангардного искусства. В своих работах Каннингем не опирается ни на драматический сюжет, ни на литературные аллюзии, ни на социальные темы, ни на эмоциональный подтекст; он не стремится выражать в танце музыкальное содержание. Смысл и суть танца, по Каннингему, – эксперимент с разными возможностями движения во времени и пространстве. Мальчиком он занимался степом, народным и бальным танцем, потом посещал университет и Школу искусств. Когда он изучал танец «модерн», его пригласила в свою труппу Марта Грэхем. В 1940–1945 он работал в этой труппе, занимался классическим танцем в Школе американского балета и начал выступать с собственными постановками, при сотрудничестве пианиста и композитора Джона Кейджа. В 1952 он организовал собственную танцевальную труппу, для которой впоследствии создал около 100 постановок. Как и для музыки Кейджа, с которым Каннингем работал вплоть до смерти композитора, для хореографии Каннингема типична кажущаяся бессвязность, отсутствие единой линии развития. Хотя эта хореография, как и музыка Кейджа, характеризуется внезапными «всплесками» движения и внезапными остановками (в музыке – «всплески» звуков и моменты молчания), она не следует за музыкой. В постановках Каннингема танцоры часто продолжают двигаться, не останавливаясь и не меняя ритм, хотя музыка в это время уже остановилась, или наоборот, танцоры застывают в неподвижности, когда звучит музыка. Каннингем применяет и другие контрасты: например, противопоставление одного неподвижного или медленно вращающегося танцора – группе танцовщиков, двигающихся с яростной одержимостью. При этом танцовщики в группе одновременно исполняют разные движения. Например, в постановке Кризисы (Crises, музыка Конлона Нанкэрроу) движения исполнительницы главной роли – резкие, судорожные, в то время как окружающие ее танцовщики движутся медленно, плавно, как бы обтекая ее. Создавая этот и многие другие танцы, Каннингем оставляет на волю случая соотношение отдельных исполнителей между собой – кто с кем и когда будет взаимодействовать. Каннингем работал в тесном контакте со многими художниками и музыкантами с целью создания уникального художественного пространства, составной частью которого, наряду с цветом, оформлением и звуком, являются танцы. В постановке Шаги (Tread) на рампе устанавливается ряд повернутых к залу больших вентиляторов, которые производят сильный ветер, как бы отделяющий публику от танцоров, – это проект Брюса Науманна, который сопровождается электронной музыкой Кристиана де Вольфа.

Боб Фосс Хореограф, артист, режиссер, сценарист — во всех ипостасях проявился его неутомимый талант. Обладатель множества наград, в том числе — Tony Awards за достижения в области хореографии, по количеству бродвейских «Тони» (восемь) Фосс занимает второе место в истории премии. Четырежды номинант на премию «Оскар», он удостоился на пике карьеры и этого приза — за мюзикл «Cabaret». Один из величайших хореографов минувшего века, чуть ли не половина главных мюзиклов мира и лучшие танцевальные сцены в кино — дело рук мастера, лучшим определением которого будет слово «неудержимый». Боб жил и творил, как рок звезда, с энергией и невоздержанностью. Однажды Фосси решил, что недостатки можно превратить в достоинства, и создал собственный хореографический стиль, для своего времени абсолютно новаторский. Его узнаешь сразу: опущенные, плечи, сигарета во рту, текучие движения, прищелкивающие пальцы, лихо сдвинутый на ухо котелок и отдельные резкие жесты. Энергетика водевильного исполнителя и великолепное чувство юмора становятся его визитной карточкой. Фосс не стремился быть лучшим, он стремился быть особенным. Он учился в небольшой танцевальной школе по соседству, вскоре поступил в балетную школу, где был единственным мальчиком. В тринадцать лет Фосси нашел себе сценического партнера — Чарльза Грасса, они начали выступать под псевдонимом «Братья Рифф». Его дебют на Бродвее состоялся в ревю «Станцуй мне песню». Затем был контракт с гигантом «Мэтро Голден Майер» и старт в Голливуде. Он танцевал и пел в трех мюзиклах, играл в кино, ставил хореографию. Роберт стал учиться актёрскому мастерству и современной хореографии. Когда же интересные роли закончились в Голливуде, Фосс не сложил рук, а вернулся в Нью-Йорк, где легендарный бродвейский продюсер Джордж Аббот пригласил его в постановку «Пижамные игры». Там Фосси и нашел идеальную площадку для развития своей хореографии. Вероятно, самым запоминающимся в постановке был номер «Steam Heat» (Паровое отопление). На первой его публичной демонстрации, по воспоминаниям участников, они были настолько ошеломлены увиденным, что буквально зажглись идеей хореографа и предугадывали каждое движение ещё до его завершения. Формально являясь первой полностью самостоятельной хореографической постановкой Фосси на Бродвее, в будущем «Steam Heat» будет признан одним из шедевров современного танцевального искусства. Шоу снискало успех, а Фосси получил не только Donaldson Award, но и заветный Tony. Второй он получил уже в следующем году, за мюзикл «Damn Yankees». А в 1959-м он поставил свой первый бродвейский мюзикл — «Redhead». (Рыжий).Как обычно, Фосси начал репетиции со свойственным ему перфекционизмом. Даже после того, как эпизод, казалось, был закончен, и все были уверены, что лучшего не достичь, он продолжал репетировать и до, и после спектакля. Роберт пребывал в высшей степени эмоционального напряжения. Зато «Рыжий» продолжал собирать полные залы, выдержал 452 представления и принёс его создателям пять премий Тони, включая награду за лучший мюзикл. С середины 50-х Фосс становится одним из ведущих хореографов на Бродвее. Следующей его работой был мюзикл «Как преуспеть в бизнесе без особых усилий», шоу получило 7 премий Тони и выдержало почти 1500 представлений. Участие в этом проекте оказало благотворное влияние на Фосси, депрессия отступила. Из одарённого танцора и шоумена вырастает талантливый художник, автор, чьи замыслы обладают новизной и провокативностью. Не только стиль, но и подход в работе отличает Боба от других. Он доверяет индивидуальности танцоров и, позволяя им раскрыться, берет лучшее, что они могут показать. Актеры, в свою очередь, практически поклоняются его дару. Однажды, во время подготовки спектакля «Радости и дворцы», затраты на его постановку продюсеры оценили, как избыточные. С Фосси тогда работали несколько лучших танцоров из предыдущих шоу, они заявили о готовности продолжить репетиции безвозмездно, в надежде сохранить материал. Но настал день, когда режиссер объявил, что мюзикл поставлен не будет. Для хорошего фильма важны сценарий, режиссер, актеры, музыка, спецэффекты. Для потрясающе хорошего фильма нужны танцы, считает Фосс. И даёт танцевальным номерам самостоятельную, полноценную жизнь, пользуясь ими как главным средством развития сюжета и раскрытия характеров.

Синтез драматургии и выразительных средств мюзикла, обогащенных стилистикой современного балета, приводит Фосса к постановке его лучшей картины — «Кабаре» — премия «Оскар» за режиссуру. Следующие его успешные ленты — скандальная биография шоумена Ленни Брюса «Ленни» и, во многом автобиографическая картина, «Весь этот джаз» (All That Jazz, 1979, главный приз на Каннском Кинофестивале и премия «Оскар»). Вот где музыка, танец и современный монтаж позволили Фоссу передать себя — воссоздать поток сознания режиссера с Бродвея, работающего над своей последней постановкой. Таким был он и такими были его работы — о талантливых, но сложных и несовершенных людях искусства. Фосси говорил: «Я люблю — не то, чтобы трагические, но грустные концовки. Они кажутся мне более жизненными».

Пина Бауш Она не просто преобразовала современный танец, но и создала новый жанр: танцевальный театр. Пина Бауш была больше, чем хореограф. Она была театр! Пину Бауш трудно назвать хореографом в прямом смысле слова. Ее вещи работали и работают на пересечении жанров. Движение, танец сменяются разговорным повествованием, а иногда главным выразительным средством становится сама сцена, материал декораций или их расположение в сценическом пространстве. Так же сложно обстоит дело и с музыкой. Для Бауш столь же естественно было обращаться к классическим формам и ставить, к примеру, "Весну Священную" Стравинского, как и использовать шлягеры, джазовую импровизацию, оперетту и даже комбинировать детские песни с музыкой парижского авангардиста-электронщика Пьера Анри. Но началось все, как это, впрочем, часто бывает у хореографов, с необыкновенно удачной танцевальной карьеры. Первые увлечения - литература, музыка и танец. Уже ребенком она становится солисткой в детском балете города Вупперталя. Балет этот был частью знаменитой высшей школы, специализирующейся на музыке, живописи и театре. В мрачноватой атмосфере шахтерского региона, где добрую треть населения составляли семьи иностранных рабочих, сама идея подобного учреждения казалась утопией. "Фольквангшуле" и была такой утопией, и атмосфера и идеи ее во многом повлияли на язык и выбор жанровых средств будущего хореографа. От танца к постановке По окончании "Фольквангшуле" Пина Бауш в США, где училась в Джульярдской школе. Казалось бы, карьера в Штатах начинала складываться самым удачным образом. Но тут бывший мэтр, Курт Йоос пригласил ее солисткой в только что основанный "Фолькванг-балет" в Эссене. После нескольких успешных танцевальных сезонов появились первые инсценировки. В 1969 году Пина Бауш завоевала первую премию на международном конкурсе хореографов в Кельне. В 1973 году после появления экспериментального балета "Nachnull" ее назначили главным хореографом в Вуппертале. Настоящий успех пришел в 1974 году, когда в Вуппертале вышла хореографическая версия знаменитой оперы Глюка "Ифигения в Тавриде". Критики писали о лучшем спектакле года, но родная вуппертальская публика не сразу привыкла к странной хореографии: дело доходило даже до анонимных звонков с угрозами. В семидесятые годы страсти успокоились, Бауш постепенно собрала свою уникальную труппу. И поставила несколько спектаклей, прославивших ее на весь мир: "Кафе Мюллер", "Семь смертных грехов" по Брехту и Вайлю. Постепенно ее работа стала такой же визитной карточкой нового немецкого искусства. Газета Frankfurter Allgemeine назвала ее "самой важной статьей немецкого культурного экспорта". Но это не совсем верно. Пина Бауш не столько экспортировала, сколько вбирала в себя дух места, историю, культуру того места, где она работает.

"Меньше всего я интересуюсь тем, как люди двигаются. Меня интересует, что ими движет", - в этих часто цитируемых словах Пины Бауш - не только ее философия, но и мировоззрение, и манифест многих поколений танцовщиков и хореографов, совершивших революцию в танце.

Джинджер Роджерс + Фред Астер Воздушные, легкие, чувственные Джинджер Роджерс и Фред Астер будоражили воображение зрителей. В 30-е годы прошлого века их пара стала легендой голливудского кино. Когда они появлялись в кадре, не оставалось никаких сомнений: они не просто партнеры по площадке. Ведь невозможно с таким пылом и страстью изображать любовь. Гениальные танцоры, они только движениями могли передать всю гамму чувств и эмоций. При этом Фред давно и прочно был женат, а Джинджер с упоением коллекционировала разбитые мужские сердца. Фред с самого детства увлеченно занимался танцами. Его первой наставницей в хореографии стала старшая сестра Адель, Мальчик вначале отказывался танцевать, однако родители возлагали на своих детей большие надежды. И уже в семь лет Фред отправился вместе с Адель в тур по Америке покорять вершины популярности и зарабатывать первые серьезные деньги для семьи. Повзрослев, набравшись знаний в театральной школе и Академии культуры и искусств, брат и сестра Астер начали свое восхождение к славе и популярности. Они выступали в мюзиклах на Бродвее, с огромным успехом гастролировали в Лондоне, пользуясь там особым вниманием королевской семьи. Однако в 1932 году Адель выходит замуж, оставляет театральные подмостки, и Фред остается без партнерши. Долгое время молодой человек пытается найти себя. Он ходит на кастинги, пытается подобрать новую партнершу. И очень стремится сменить имидж актера театра на актера кино. И хотя первые работы Фреда в Голливуде были не слишком удачны, он тонко чувствовал камеру и очень скоро смог стать настоящей звездой.

Жизнь маленькой Вирджинии началась с недомолвок её родителей, где в итоге она осталась жить с матерью. 

Мама девочки пробовала писать сценарии, но в ней все же победил театральный критик. Вирджиния стала часто бывать в театре, и фееричный мир увлек ее. Время от времени она даже играла маленькие роли и мечтала о настоящей славе. Случайно, замещая актрису основного состава, девушка попала в труппу Эдди Фоя. Она закончила с труппой гастрольный тур, еще полтора года работала в театре в Медфорде. Она еще гастролировала некоторое время, пока не поманили ее огни славы в большой город, на большую сцену. Осев в Нью-Йорке дебютировала на Бродвее. Она шла по жизни легко, для нее самой дороже всего была возможность играть. После нескольких съемок в кино, к девушке пришла слава. В 1933 году на съемочной площадке фильма «Полет в Рио» они встретились - Джинджер и Фред, юная, своенравная актриса и гениальный танцор. Она восхищалась его талантом. Он был потрясен ее способностью чувствовать ритм и передавать танцем эмоции. Казалось, эти двое действительно созданы друг для друга. Если не для жизни, то для танца уж точно. «Полет в Рио» стал дня них испытанием на прочность. Они подстраивались друг под друга, учились улавливать малейшие движения души и тела друг друга. То и дело между ними вспыхивали ссоры. Они могли до хрипоты доказывать друг другу правильность того или иного движения. Фред был недоволен тем, что она бывает слишком чувственна в танце, чем делает его вульгарным. Джинджер доказывала, что только эмоциональным и должен быть танец двух сердец. Когда они появлялись в кадре, зрители замирали, очарованные их игрой. Они любили самозабвенно и страстно, отдаваясь своим ролям без остатка. О взаимоотношениях Джинджер и Фреда Точно известно лишь одно: два человека, насколько бы талантливы они не были, не могли просто играть. Возможно, их персонажи были столь правдоподобны, что играли они душой, а не разумом. Пять лет длился триумфальный полет двух сердец. Они вдохновляли и дополняли друг друга. Их пара вошла в историю мирового кинематографа. Но в 1939 году Джинждер заявила о том, что устала и не желает больше сниматься. Почему успешная молодая актриса приняла такое решение? Может быть, ей надоела быть партнершей Фреда лишь в кино, а он, давно несвободный, не мог предложить ей ничего большего. Через десять лет эта звездная пара снимется в комедии «Семья Баркли с Бродвея». Это будет последняя их совместная песня. Фред, оставшись вдовцом, женится еще раз, а Джинджер, побывав замужем пять раз, так и не обретет семейного счастья.

Айседора Дункан Айседора Дункан в своем творчестве пренебрегла устоявшимися правилами и канонами и создала собственный стиль и пластику. Ее «танцы босоножек» стали основой модернистского направления в танцевальном искусстве. Анжела Айседора Дункан родилась в Сан-Франциско в 1877 году. Её мать часто говорила: «Без хлеба обойтись можно, а без искусства нет». В их доме всегда звучала музыка, в семье много читали, разыгрывали античные трагедии. Маленькая Айседора начала танцевать уже в два года. А в шесть лет она открыла первую «школу танца» для соседских детей: учила их движениям, которые придумывала сама. В 12 лет, давая уроки, юная танцовщица уже могла подрабатывать. Спустя год она бросила школу и посвятила все свое время танцам, изучению музыки, литературы и философии. В 1895 году семья переехала в Чикаго. Дункан работала в театре, выступала в ночных клубах. Ее видение танца отличалось от классических представлений. Балет, по мнению танцовщицы, был лишь комплексом механических движений тела, не передающих душевных переживаний. В ее танце тело должно было стать проводником ощущений. «Нет такой позы, такого движения или жеста, которые были бы прекрасны сами по себе. Всякое движение будет только тогда прекрасным, когда оно правдиво и искренне выражает чувства и мысли». Айседору вдохновляла античность. Ее идеалом стала танцующая Гетера, изображенная на греческой вазе. Дункан заимствовала ее образ: выступала босиком, в полупрозрачной тунике, с распущенными волосами. Тогда это было ново и необычно, многие восхищались и стилем танцовщицы, и оригинальностью ее пластики. Движения Дункан были довольно простыми. Но она стремилась станцевать всё — музыку, картины и стихотворения. «Айседора танцует всё, что другие говорят, поют, пишут, играют и рисуют, она танцует Седьмую симфонию Бетховена и «Лунную сонату», она танцует «Primavera» Боттичелли и стихи Горация» . В начале XX века семья переехала сначала в Лондон, потом в Париж. В 1902 году актриса и танцовщица Лои Фуллер предложила Айседоре отправиться в турне по Европе. Вместе они создавали новые композиции: «Танец серпантин», «Танец огня». «Божественная босоножка» — Дункан стала очень известной в европейской культурной среде. В 1903 году она ездила в Грецию, где обучалась древнегреческому пластическому искусству, а потом переехала жить в Германию. В Грюневальде Дункан купила виллу и набрала воспитанников, которых учила танцевать и фактически содержала. «Я не собираюсь учить вас танцам. Я просто хочу научить вас летать, как птицы, гнуться, как молодые деревца под ветром, радоваться, как радуется под майским утром бабочка, дышать свободно, как облака, прыгать легко и бесшумно, как серая кошка». Айседора Дункан У Дункан появились собственные философские взгляды. Она считала, что учить танцевать нужно всех, чтобы это стало для людей «естественным состоянием». Под влиянием философии Ницше Дункан написала книгу «Танец будущего». Айседора Дункан вдохновляла многих своих современников. Известная балерина Матильда Кшесинская говорила, что у этой танцовщицы не будет последователей, но ее танец станет частью современного балета. В отношении классических танцев она была права: движения рук в балете вскоре стали более свободными под влиянием «дунканизма».

Показ

Кратное описание этапа:
Целью данного этапа была эмоциональная разрядка и коллективная работа участников. После общения с знаменитостями, детям предлагают поставить свой танец для Бродвея. Детей распределяют по группам по танцам, которые они готовят в течении полутра часов. После, дети приступают к показу. Заранее подготовить
1. Показательные танцы
2. Костюмы для участников Список показательных танцев

• Диско
• Кантри
• Хип-хоп
• Латина
• Танец живота
• Буги-вуги

Бродвей "Чикаго"

Показательный танец от организаторов.

Разбор

Дискотека

Хорошо, что дискотека вначале дня, хороший двмжок для детей, но слишком много времени.

“Кастинг”

Плохое объяснение этапа, дети запутались. Плохое распределение, где-то слишком много, а где-то слишком мало детей.

Мастер-классы

Организаторы не держали детей назначенное время, отпускали их раньше, а тем некуда было идти.

Экзамены

Не нужно делать экзамены в таком дне, слишком нервно и энергозатратно. Лучше делать одну школу для каждого отряда, а не четыре, тем более разницы не ощущалось. Слишком разные вопросы, где-то ответ можно дать в двух словах, а где-то ответ был основан на своем мнении. Вопросы повторялись.

Учеба

Станции нужно оформлять интереснее, не хватает времени на работу с карточками, жаль, что дальше они нигде не пригодились.

Гастроли

Все хорошо, но непонятно зачем Новая Зеландия, если речь даже не про ианцы.

Нью-Йорк

Не все организаторы хорошо и интересно рассказывали их информацию, работали с детьми.

Подготовка Бродвея

Все супер, времени хватает.

Показ

Все танцы вышли веселыми, крутыми и хорошими, не было ни одного плохого.